BAIXANDO AO EXTREMO

THE PIG FUCKING MOVIE

2011-04-15T02:47:00.287-03:00

The pig fucking movie - Imdb

Também Conhecido como:

One Man and his Pig

Wedding Trough

Vase de noces

Direção: Thierry Zéno

Bélgica, 1974, 80 min, pb

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Texto via zombies e afins

O filme mostra a relação de um fazendeiro louco que se apaixona por uma porca. Um dos mais bizarros e extremos filmes que já assisti. Com certeza não é pra qualquer um. A história é arrastada, mostrando diversas cenas de sexo entre frangos e perus, além dos bichos apenas passeando pela fazenda. Mas o plot central é a relação entre o fazendeiro e sua porca.

Pra se ter uma ideia da demência do indivíduo, ele tenta colocar cabeças de bonecas, no começo do filme, em pombas. Além de guardar dentro de potes, aos quais coleciona, cabeça de galinhas a qual abate para fazer suas refeições, junto com outras merdas que não dá pra definir.

Como ninguém vai assistir e se assistir é só pra ver as cenas chocantes, vai toda a história: o tal do fazendeiro mora sozinho numa fazenda e se apaixona pela sua porquinha. Tem relação sexual com o suíno e deste "amor", nascem três porquinhos mutantes. A felicidade do fazendeiro é visível. Ele leva os porquinhos para todos os lugares, tricota roupas pra ele e faz de tudo para eles gostarem do pai. Porém, durante um almoço, onde ele coloca pratos para os bichinhos comerem na mesa, eles nem dão bola para a comida em sua frente e pisam dentro dos pratos, passeiam por cima da mesa entre outras coisas.

Nisso, o fazendeiro vê que não agrada e decide matar sua prole, deixando-os pendurados pelo pescoço. A porca-mãe vê aquilo e resolve se matar. E aí o filme começa a ficar mais bizarro (se já não estava até aqui). O cara retira a porca de dentro do local onde ela se mata, e destroi todos os vidros que colecionava com as cabeças de galinha e outras coisas.
A partir de agora ele começa a colecionar suas próprias fezes e além disso, começa a comê-las. Ele come de todo o jeito: fervida, em pasta, direto do vaso onde ele caga nos 15 minutos finais mais nojentos que já presenciei em um filme. Vou colocar uma foto e um link, para quem quiser saber mais sobre o filme no final. Eu li em alguns lugares na web e eles não mencionam mas acredito eu que ele comeu a porca e com raiva, caga e a re-come, mas não tenho certeza disso que estou falando, pois a cópia que consegui estava muito ruim e sem som.

No final, arrependido ou o que for, o cara se suicida no mesmo local onde sua amante o havia feito.

Só para os que gostam de se extrapolar dentro do cinema extremo (eu quase vomitei nos 15 minutos finais de filme).

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A INVASORA/À l'intérieur

2011-04-15T00:25:00.044-03:00

À l'intérieur - Imdb

Também Conhecido como:

-Inside(Finlândia, Alemanha, Suécia, USA)

-A invasora(Brasil)

Direção: Alexandre Bustillo, Julien Maury

França, 2007, 83 min, cor

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Texto: Perdi a página referente ao texto. Assim que souber acrescento o crédito.

“A L’Intérieur” é mais uma das revelações do gore francês, género do qual se têm comentado por aqui alguns títulos. Violento e sanguinolento como os demais, tem a particularidade de se desenrolar quase inteiramente no espaço fechado de uma residência, curiosamente (ou propositadamente) com o número 666 na porta de entrada. Trata-se, uma vez mais, de uma primeira obra, mas desta vez assinada por dois directores, Julien Maury e Alexandre Bustillo (ex-jornalista da revista francesa Mad Movies) que também é responsável pelo argumento.

A história, como convém neste tipo de filmes, é extremamente simples: Sarah Scarangelo (Alysson Paradis) é uma repórter fotográfica que consegue sobreviver a um violento acidente de carro, no qual o marido perde a vida. As imagens da colisão – magníficas – constituem o prólogo do filme. Sarah encontra-se grávida e o trauma provocado pela morte do companheiro vem alterar-lhe radicalmente o modo de encarar a vida, tornando-a em pouco tempo numa pessoa taciturna e apática, características bem evidenciadas nos primeiros quinze minutos do filme, durante os quais uma tensão em crescendo nos vai anunciando a tragédia que está para vir.

Chegada a véspera de Natal, Sarah encontra-se em casa, sózinha, tendo agendado o parto para a manhã do dia seguinte, altura em que o patrão a virá buscar para dar entrada no hospital. Mas aquela noite revelar-se-á tudo menos pacífica. A campainha da porta soa e uma silhueta de mulher perfila-se junto à entrada. Desconhecida para Sarah, a estranha visita parece saber tudo a seu respeito, tentando convencê-la a deixá-la entrar. Alarmada, Sarah telefona à polícia que chega algum tempo depois para constatar a ausência de qualquer intrusa. Fica a promessa de voltarem durante a ronda seguinte e Sarah vai deitar-se. Mas a mulher volta a aparecer, conseguindo desta vez introduzir-se dentro da casa. E as suas intenções não são nada pacíficas…

Desenrolando-se numa densa atmosfera de claustrofobia, “A L’Intérieur”conjuga o gosto pelo macabro com um mórbido sentido de humor na apresentação dos episódios que vão tendo lugar. Sarah luta desesperadamente pela sobrevivência (dela e do filho que traz no ventre), chegando a ter alguma esperança à medida que outras pessoas vão chegando à casa (o patrão, a mãe, os polícias). Mas todas elas vão sendo sucessivamente eliminadas pela intrusa demoníaca, aparentemente sem qualquer razão subjacente (o motivo será no entanto revelado no surpreendente final). O título do filme, mesmo a sua tradução inglesa (“Inside”) reflecte dois interiores distintos mas que se confundem na sua extrema vulnerabilidade – o interior da casa e o interior do ventre de Sarah, sendo ambos o objectivo de violação por parte da outra mulher. Uma violação que vem a concretizar-se numa terrível apoteose final, de contornos maléficos e de visão quase insustentável, requacionando-se a teoria da essência do mal estar ligado à natureza da mulher e ao seu papel de procriação.

Um filme hiper-brutal, por vezes horripilante, mas de que não conseguimos desviar os olhos desde que aquele magnífico genérico nos fez regressar à grande escola do horror – uma escola famosa, onde leccionaram alguns dos melhores professores do passado: Argento, Fulci, Carpenter, Romero. No campo da interpretação, o realce vai para Alysson Paradis (irmã mais nova da cantora Vanessa Paradis) que nos dá uma angustiante e vulnerável Sarah mas sobretudo para Béatrice Dalle, que compõe aqui uma das mais perturbantes personagens femininas de que tenho memória. Dada a crueza das imagens e sobretudo por causa do distúrbio psicológico do enredo, “A L’Intérieur”deverá ser prudentemente evitado por parte de mulheres que se encontrem grávidas. De resto, convidam-se todos os apreciadores do género para se deliciarem durante cerca de 80 minutos num carrocel de contínuos sobressaltos.

Trailer

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FILME FÁCIL - Mario Bava X Jason Voorhees (Bay of blood versus Friday the 13th II) - curta

2011-04-14T16:07:00.028-03:00

FILME FÁCIL - Mario Bava X Jason Voorhees

Direção: Zeh dos Cortes

Brasil, 2011, cor.

Também conhecido como: Mario Bava vs Jason Voorhees, Banho de sangue contra Sexta feira 13 II, Bay of blood versus Friday the 13th II, snadná film, Kolay film, Twitch of the Death Nerve vs. Friday the 13th II, 13 pedaços de sexta feita 13 parte 2, Ctrl C e V 6ª 13 2, Steve still free, Faça filmes sem filmar, Mixando Mario Bava & Jason Voorhees, Easy Movie, película fácil, film facile, gemakkelijke film, Movie facile, enkel film, łatwy film, uşor de film, lätt film, O método fácil de fazer filmes.

BAIXAR/DOWNLOAD:
Filme fácil - Mario Bava X Jason Voorhees 30mb

ASSISTIR:

Abaixo o texto que foi uma das referências para o curta.

"O fantástico vovô italiano da série SEXTA-FEIRA 13!"

Por Felipe M.Guerra via Boca do Inferno

Falecido em 1980, o italiano Mario Bava é considerado um dos mestres do cinema fantástico europeu. Em meio às obras-primas que dirigiu estão clássicos como A MÁSCARA DO DEMÔNIO, BLACK SABBATH, O PLANETA DOS VAMPIROS e RABID DOGS. E, entre seus fãs declarados, estão renomados cineastas do mundo inteiro. "Eu amo os filmes de Mario Bava. Eles praticamente não têm roteiro, apenas atmosfera", disse Martin Scorsese, o diretor do eterno clássico TAXI DRIVER. Joe Dante, de PIRANHA e GREMLINS, declarou:"Bava costuma filmar a morte de forma tão apaixonada que, ao sair do cinema, me sinto um pervertido. Ninguém mais faz filmes como ele fazia". Já Tim Burton, um dos mais respeitados e criativos cineastas da nova geração, já revelou que A MÁSCARA DO DEMÔNIO, de Bava, é seu filme preferido. "É engraçado porque nem lembro da história, mas as imagens não me saem da cabeça. A MÁSCARA DO DEMÔNIO me mostrou todo o magnetismo, mistério e poder do cinema", elogiou, numa entrevista.

Ironicamente, o próprio Mario Bava não era assim tão pomposo com o próprio trabalho. Brincalhão e apaixonado por cinema, costumava dirigir como passatempo e nunca achou que seus trabalhos fossem obras-primas. Desde 1939, Mario trabalhou envolvido com a indústria italiana do cinema. Era diretor de fotografia (dos bons), cameraman e até técnico de efeitos especiais. Ele começou a dirigir tarde, e praticamente por acaso: em 1956, trabalhava como diretor de fotografia em I VAMPIRI, horror gótico de Ricardo Fredda, quando o cineasta brigou com os produtores e abandonou o set; sobrou para Bava concluir a obra. E, aparentemente, gostou da brincadeira: em 1960, quando já estava com 43 anos, Mario estreou na direção de um filme"totalmente seu", o clássico A MÁSCARA DO DEMÔNIO. Durante os próximos 20 anos até sua morte, Bava lançou outros vinte títulos - entre horror, comédia, ficção científica, suspense, fantasia, aventura policial e até adaptação de quadrinhos (DANGER: DIABOLIK, de 1968, baseado numa famosa série de HQ italiana).

De lá para cá, cada uma destas películas foi minuciosamente analisada, revisada e elogiada como verdadeiras obras-primas, ou obras de arte, como alguns críticos gostam de definir o cinema de Bava. Diziam que ele não era um cineasta, mas sim um artista que filmava telas. Entretanto, o próprio gênio resumiu a sua carreira numa única frase, e nem um pouco generosa consigo mesmo: "Tudo o que eu fiz foram grandes bobagens". É isso mesmo! Bava nunca viu de maneira pretensiosa a sua obra, e provavelmente se revira no túmulo toda vez que os críticos falam maravilhas de seus velhos filmes, que ele aparentemente fazia apenas por diversão. O cineasta chegou a declarar que reviu seu clássico A MÁSCARA DO DEMÔNIO e não conseguiu parar de rir (!!!). E quando lhe perguntaram, certa feita, por que os franceses e americanos gostavam tanto da sua obra, Bava saiu-se com uma pérola: "Porque eles são muito mais idiotas que nós!". Humilde, divertido e irreverente, Mario Bava é um cineasta que faz muita falta - ainda mais num universo em que videoclipeiros arrogantes estréiam em filmes-pipoca milionários e dão entrevistas achando-se os novos "Orson Welles"!

Bem, o velho Bava que me perdoe: vou ter que analisar - e elogiar muito - uma de suas produções. A obra em questão, no original, chama-se ECOLOGIA DEL DELITTO (algo como "A Ciência de um Crime", em tradução literal) . Trata-se, na verdade, daquele que os críticos chamam de "um filme menor" de Bava, lançado em 1971, uma época de vacas magras para o cineasta. Acontece que, dois anos antes, em 1969, um certo Dario Argento - então um jovem e desconhecido diretor iniciante - lançou o filmaço O PÁSSARO DAS PLUMAS DE CRISTAL, sucesso de público e crítica na Itália, e imediatamente tornou-se a "nova cara" do cinema fantástico europeu. A partir de então, alguns críticos passaram a considerar Bava um nome ultrapassado, e seus filmes "fora de moda"!!! Pffff... O próprio Bava nunca teve uma relação muito boa com Argento, pois considerava que O PÁSSARO DAS PLUMAS DE CRISTAL era uma cópia de um de seus trabalhos, LA RAGAZZA CHE SAPEVA TROPPO, de 1962. O também cineasta Luigi Cozzi, que era amigo tanto de Argento quanto de Bava, disse que várias vezes tentou reuni-los para um almoço ou jantar onde pudessem conversar sobre, talvez, um projeto em parceria (já pensou???). Mas nunca foi possível juntar os dois gênios, e Bava acabou morrendo sem nunca trabalhar diretamente com Dario - embora tenha construído algumas miniaturas paraMANSÃO DO INFERNO, de Argento, no ano em que faleceu (1980).

Na época do lançamento nos cinemas italianos, ECOLOGIA DEL DELITTO foi um fiasco de bilheteria. Indignado, o distribuidor recolheu todas as cópias, esperou alguns meses e tentou novo lançamento, agora com o filme rebatizado para REAZIONE A CATENA ("Reação em Cadeia"), só que mantendo o título original entre parênteses logo debaixo do novo nome (!!!). Não funcionou e continuou sendo um injusto fracasso de bilheteria. Somente anos depois a crítica - e o público - redescobriria esta fantástica obra, que foi lançada ao redor do mundo com todos os nomes possíveis e imagináveis, em cópias com ou sem cortes nas cenas de maior violência. No Brasil, nos velhos tempos das fitas VHS, a distribuidora Century lançou o filme duas vezes, ambas em cópia sem cortes. Primeiro com o título BANHO DE SANGUE (adaptando "livremente" o título americano BAY OF BLOOD, que quer dizer "Baía de Sangue"); depois, mandou a fita para as locadoras com o nome MANSÃO DA MORTE, ignorando o fato da trama NÃO se passar em uma mansão!!! Como ambos são ridículos, vamos usar o título BANHO DE SANGUE a partir de agora - dos males, o menor.

Analisando hoje, o fracasso de bilheteria lá em 1971 é plenamente justificável: BANHO DE SANGUE é algo muito à frente do seu tempo, tendo o mérito (que para alguns é "demérito") de trazer elementos que posteriormente se transformariam em clichês dos "slasher movies" americanos, aquelas produções que compensam a falta de história com assassinatos sangrentos a cada cinco minutos. Claro que taxar o filme de Bava de slasher chega a ser uma grosseria: a história está mais para uma mistura do estilo italiano de mesclar sexo e violência (o chamado "giallo"), com a típica trama de mistério à la Agatha Christie ("quem será o assassino?"), e com um toque, sim, de slasher, ao mostrar como os personagens são assassinados brutalmente por um matador não-identificado. A fórmula seria celebrizada, quase 10 anos depois, na série americana SEXTA-FEIRA 13. Assim como nas aventuras de Jason, temos em BANHO DE SANGUE uma ambientação à beira de um lago, vários personagens que só existem para ter um final violento e até jovens fazendo sexo e tomando banho pelados no lago. Mas, ao contrário dos slashers posteriores, onde um fiapo de história normalmente justifica o massacre, esta verdadeira obra-prima de Bava é refinada e inteligentíssima, com uma trama repleta de reviravoltas e surpresas que deixam o espectador atordoado do início ao fim.

Li em algum lugar, e vou tomar emprestado aqui, que BANHO DE SANGUE é uma história “sobre homens e insetos”. Ou, mais precisamente, sobre como os humanos, quando destituídos de suas pretensiosas regras de civilização, moral e boa conduta, se parecem com seus amiguinhos invertebrados. Ironicamente, na primeira cena, a câmera acompanha o vôo de uma mosca invisível que morre durante o trajeto, caindo no lago da baía onde se desenrola toda a trama; nos minutos seguintes, várias pessoas irão morrer pelos mais diversos motivos e das mais diversas formas. Como moscas. O aspecto mais interessante da história é que não temos, como nas aventuras de Jason, um único assassino responsável pela carnificina, mas vários - e a identidade de alguns deles não é revelada logo de início. Praticamente todo e qualquer personagem da trama (e não são poucos) tem um motivo para matar ou para morrer, embora a cobiça seja a grande desculpa da maioria dos crimes; outros assassinatos são cometidos para eliminar testemunhas, por vingança, por invasão da propriedade, por puro prazer, etc etc. E assim a contagem de cadáveres segue aumentando, mais e mais. Por isso que BANHO DE SANGUE é simplesmente brilhante: ele nos apresenta um punhado de pessoas que inicialmente julgamos inocentes; porém, no momento em que as máscaras começam a cair, percebemos que todas elas bem que merecem morrer da maneira mais violenta possível. Inclusive as crianças!

Depois do vôo mortal da mosca, nos encontramos num solitário casarão à beira de um lago, onde uma velha em sua cadeira-de-rodas (Isa Miranda) se locomove de um lado a outro na escuridão. Ela pára diante da janela e lança um olhar carregado de dramaticidade para uma velha cabana do outro lado do lago, que tem uma luz acesa na janela. As gotas de chuva que escorrem na janela parecem representar as lágrimas de tristeza que a velha tenta segurar - por um motivo que o espectador só vai saber no final. Ao atravessar um longo hall, ela se depara com um vulto de luvas pretas, que rapidamente lhe coloca um laço no pescoço e chuta para longe sua cadeira-de-rodas. Tudo acontece tão rápido e de surpresa que o espectador chega a ficar atordoado: sem conseguir se apoiar nas pernas inválidas, a velha fica se debatendo com o pescoço laçado, sem conseguir respirar, enquanto, a alguns metros, uma das rodas da sua cadeira-de-rodas termina lentamente de girar. No momento em que a roda pára, também morre a velha, que fica naquela posição como se tivesse cometido suicídio! Uma cena simplesmente fantástica!

A câmera então se aproxima do vulto, mostra suas luvas pretas - um elemento tradicional dos “giallo” - e sobe... revelando o rosto do assassino (Giovanni Nuvoletti)! A revelação inicialmente pode parecer um tanto frustrante, pois o espectador imagina que este é um daqueles filmes em que é preciso descobrir a identidade do matador! Mas calma... o assassino planta um falso bilhete de suicídio sobre a mesa, escuta um barulho vindo da porta da frente e, quando vai começar a arrumar a cena do “suicídio”, uma lâmina de canivete brilha na escuridão (outro clichê dos “giallos”), atingindo o homem de surpresa, raivosamente, pelas costas. Após várias estocadas do punhal, o assassino, agora assassinado, cai cuspindo sangue aos pés da velha que ele minutos antes havia matado. Ou seja: em menos de 10 minutos, dois personagens foram apresentados (três, se contarmos a mosca. hehehe) e logo em seguida barbaramente assassinados! E a identidade do terceiro homem, aquele que apunhala o assassino da velha, é mantida em segredo. É claro que estamos diante de um filme no mínimo diferente...

Desde este prólogo bizarro, o espectador já se acostuma com a proposta de BANHO DE SANGUE: todos podem matar ou morrer, todos têm uma razão para matar ou morrer e todos, a qualquer momento, podem matar ou ser mortos. Para complicar ainda mais, a trama é um grande quebra-cabeças. Não raras vezes, os personagens (e suas motivações) só são apresentados quando eles já estão mortos. É o caso da velha e do homem mortos no prólogo: somente mais tarde, por meio de conversas entre os outros personagens, vamos saber quem eram, como se chamavam e o motivo para suas mortes. Resumindo: a estrutura do roteiro e a forma como a história é contada é simplesmente genial, exigindo até que o filme seja visto duas vezes para entender melhor quem matou quem e porquê. hehehehe.

Da cena dos dois primeiros crimes, a trama corta diretamente para um apartamento onde um casal está na cama curtindo um momento relax pós-sexo. Ele é um arquiteto chamado Frank Ventura (Cristea Avram, creditado "Chris" Avram), e ela, sua secretária e amante, a sexy Laura (Anna Maria Rosati... será parente do Renato Rosatti, aqui da Boca do Inferno?). Pela conversa informal que os dois estão tendo, finalmente começamos a entender alguma coisa sobre a trama: a velha morta no início era a Condessa Federica Donatti, e a polícia considera sua morte um suicídio, embora seu marido, o Conde Filippo Donatti, esteja desaparecido há vários dias. Sim, você pensou certo: o marido desaparecido é o assassino da velha, aquele que foi morto momentos após o crime. Aparentemente, Ventura tem grande interesse em comprar a área da baía, que pertencia à Condessa - e agora aos seus herdeiros -, para construir um luxuoso resort turístico. A Condessa, quando viva, não queria saber de vender a propriedade para Ventura. Isso nos leva a imaginar, desde o início, se o arquiteto não teria um papel no assassinato da velha...

Sem maiores explicações, Ventura levanta-se da cama, volta a vestir sua roupa e pega uma maleta repleta de documentos para ir à baía. Neste momento, o filme nos apresenta outros personagens, novamente sem pressa de explicar suas identidades e motivações. Há um rude pescador (Claudio Camaso, creditado como "Claudio Volonté"), que adora comer polvos crus (e de preferência vivos, décadas antes de OLDBOY). Ele mora na cabana ao lado do lago, aquela para onde a Condessa olhava no início, e seu nome, conforme descobrimos mais tarde, é Simon. Há um bizarro casal, os Fossati, que vivem numa casa vizinha à da Condessa. Eles são o alívio cômico da trama: Paolo Fossati (Leopoldo Trieste, que teve um pequeno papel na trilogia O PODEROSO CHEFÃO) é entomologista e vive de caçar insetos para sua coleção, além de conversar com um besouro de estimação; sua esposa Anna (Laura Betti, que fez SALÓ, de Pasolini) é uma cartomante alcoólatra que prevê uma tragédia na baía. Há ainda um casal que circula pela região num trailer, com os dois filhos pequenos, bisbilhotando e observando os outros com binóculo. Mais tarde, descobriremos que são Alberto (Luigi Pistilli) e sua esposa Renata (Claudine Auger, atriz francesa que foi bondgirl em 007 CONTRA A CHANTAGEM ATÔMICA). A ambiciosa Renata é a única herdeira da fortuna da Condessa. Ou pelo menos é o que ela pensa no início...

A partir de então, durante uns bons 15 minutos, o filme se preocupa em mostrar como todas estas peças se relacionam no tabuleiro, e as características de cada uma delas. Primeiro, Simon e Paolo tem uma discussão sobre a morte à beira da lagoa. Simon argumenta que o etmologista é um assassino ao caçar insetos e pregá-los com alfinetes em sua coleção, enquanto ele pelo menos come os polvos que caça. Pode até parecer papo furado, mas o diálogo serve justamente para apresentar ao espectador os pontos de vista destes dois personagens: enquanto Paolo, aparentemente um sujeito tímido e covarde, fica chocado perante a idéia de ser, segundo Simon, um assassino, o próprio Simon é apresentado como um homem frio e cruel, que não hesita em pescar e comer polvos crus - e sabe-se lá o que mais ele teria coragem de fazer. Em seguida, é a esposa de Anna quem surge com aquela típica besteirada sobre destino e maldições - uma espécie de "Crazy Ralph", da série SEXTA-FEIRA 13, só que dez anos antes. Ao ler a sorte nas cartas, Anna vê o futuro negro que irá se abater sobre a baía, e larga um diálogo incompreensível à la Zé do Caixão: "Uma mensagem obscura... O único, o tudo, o nada! As linhas do ar, fogo, água e terra estão completas! O ciclo da morte está para começar!!!". Hããããã... Não entendi! hahaha. Mas deve ser algo muito ruim, porque ela arregalha os olhões naqueles supercloses que só os italianos sabem filmar.

Paralelamente, como se fossemos transportados para a série SEXTA-FEIRA 13 (só que, repetindo, uma década antes), dois casais de jovens aparecem na região a bordo de um buggy, loucos para beber, dançar e transar - não necessariamente nesta ordem. Eles são Duke (Guido Boccaccini) e sua namorada francesa Denise (Paola Montenero, creditada como "Paola Rubens", que apareceu também em L'ALTRO INFERNO, de Bruno Mattei), e Bobby (Roberto Bonnani) e sua namorada Brunhilda (Brigitte Skay). Eles encontram, em meio à floresta, um velho night club abandonado, com pista de dança, aparelho de som funcionando e tudo mais, além de uma piscina repleta de lodo. Perto dali há um chalé, que o quarteto arromba sem pensar duas vezes, para continuar sua festinha. A casa, conforme descobrimos por meio de um porta-retrato sobre a cômoda, pertence a Frank Ventura; já o night club fechado era do falecido Conde Filippo Donatti. A festa está animada, mas Brunhilda resolve ir tomar um banho de lago - pelada, é claro. Enquanto tira a roupa, é observada por alguém escondido atrás de uma árvore, e representado pela própria câmera (para colocar o próprio espectador no papel do misterioso observador). A câmera subjetiva fazendo o papel de assassino seria celebrizada, anos depois, no prólogo de HALLOWEEN, de John Carpenter.

Peladinha, Brunhilda nada alegre de um lado para o outro, exibindo sua nudez em closes gratuitos, e então um de seus pés se enrosca num fio, fazendo submergir um cadáver do fundo do lago. A moça sai gritando, coloca seu vestido (sem calcinha) e é perseguida pelo misterioso observador. Corre desesperada, com a câmera mostrando tudo por baixo do vestido enquanto ela foge, mas, quando está para chegar na casa e pedir ajuda, é atingida com um faconaço no pescoço, tendo a garganta aberta de uma orelha a outra, morrendo após alguns espasmos de agonia. O próximo a ir para o saco é Bobby, que leva um faconaço bem no meio do rosto, dividindo-o no meio - um efeito excepcional, ainda mais considerando a época em que foi feito. Para completar a queima de arquivo, falta o casal Duke e Denise, que está transando no quarto. O misterioso assassino reserva um destino especial aos dois: usando uma lança decorativa, atinge as costas da moça (que está montada no rapaz) e transpassa o colchão, atravessando ambos num abraço mortal. Antes de morrer, Denise se contorce sobre o amante, num misto de dor, prazer e êxtase, como se estivesse tendo seu último orgasmo - enquanto suas unhas rasgam o lençol do colchão. Simplesmente brilhante!

Paralelamente, Anna, que novamente está tirando a sorte nas cartas, vai procurar o marido Paolo em seu escritório, porém ele não está lá; sobre a mesa, há um besouro vivo, atravessado por um alfinete. O inseto se contorce inutilmente, na vã tentativa de sobreviver - uma imagem muito, mas muito semelhante ao orgasmo mortífero dos dois jovens atravessados pela lança na cama, minutos antes. Para levantar ainda mais suspeitas, quando Paolo reaparece em cena, ele tem um misterioso ferimento na mão. Hmmm... Será o inocente etmologista o culpado pelo massacre no chalé do arquiteto? Até então, parece que há um assassino psicopata rondando a região e eliminando os agressores. Logo ficamos sabendo que a história é um pouquinho mais complicada...

As surpresas começam quando Alberto e Renata vão até a casa de Anna e Paolo. Os Fossati explicam ao casal de visitantes (e ao espectador, obviamente) vários detalhes obscuros sobre os personagens que foram apresentados desde o início da trama, preenchendo lacunas do tipo "quem são (ou eram)", "o que querem (ou queriam)", e por aí vai. Renata quer saber detalhes sobre o sumiço do seu pai (o Conde), e a cartomante lhe revela que o Conde Filippo era viciado em jogo e mulheres, além de sonhar com a transformação da baía em um elegante condomínio - sonho com o qual a Condessa, obviamente, não concordava. Os Fossati dizem, também, que o casamento dos dois não ia nada bem (entendeu porque a velha estava entristecida antes do "suicídio", no começo do filme?), e que a Condessa não era do tipo que cometeria suicídio. "Ela amava a vida, e seu dinheiro mais ainda", diz Anna. As peças começam a se encaixar.

Mas a grande revelação é a de que Simon, o pescador que adora comer polvo cru, na verdade é filho ilegítimo da falecida Condessa Federica, nascido de uma aventura amorosa da velha. Agora você sabe porque ela olhava, com o olhar perdido, para a cabana de Simon no início, não é? “Ela manteve o próprio filho preso até os 17 anos, depois fez com que ele construísse aquela cabana e vivesse ali o restante da vida, para que ninguém soubesse do seu segredo”, explica Anna. E você que até tinha ficado com pena daquela pobre velha assassinada, hein?

No fim do diálogo, Paolo novamente dá amostras de ser um sujeitinho bem suspeito, ao se queixar dos planos do Conde Filippo e de Frank Ventura para transformar a baía em um resort, o que iria acabar com os insetos que ele tanto adora: "Eu os odeios porque eles querem transformar a baía num mar de cimento! Mas eu os impedirei... Ah sim... Nem que eu tenha que...", e neste momento Paolo se cala, deixando no ar o que exatamente ele faria para impedir a destruição da baía. De qualquer jeito, ainda em busca do seu pai desaparecido (e que todos sabemos estar bem morto), Renata vai ter uma conversa com Simon - que, agora, tornou-se seu irmão ilegítimo. E não é que o barco do pescador traz uma pequena surpresinha: o corpo já decomposto do Conde Filippo, justamente aquele que estava no fundo da baía quando Brunhilda foi nadar!!! Num close grotesco, a câmera de Bava filma um polvo vivo se contorcendo sobre o rosto do cadáver putrefato!

A partir deste ponto (já estamos lá nos 35 minutos de projeção), nada mais sobre a história pode ser revelado, sob pena de estragar as (muitas) surpresas que Bava prepara para o espectador. Mas, até o final, muita gente vai matar e morrer. E muitas perguntas serão respondidas. Tipo: Será Simon o assassino? Será Paolo? Que interesse tem Alberto e Renata na baía e que plano maquiavélico eles estão armando? Por que a Condessa foi morta afinal? Qual a ligação de Frank Ventura com os assassinatos? Quem matou o Conde Filippo? Enfim, são inúmeras pontas soltas que o roteiro aos poucos vai elucidando, explicando sem pressa as motivações dos personagens, até um fantástico e irônico final, onde o castigo para os vilões vêm de onde menos se espera, depois de uma ciranda de morte e mutilação.

A influência de BANHO DE SANGUE para a série SEXTA-FEIRA 13 não é devaneio meu e nem chute de alguns críticos desavisados: o próprio criador da franquia, Sean S. Cunningham, afirmou o fato em entrevista ao livro"Making Friday the 13th", de David Grove: "O sucesso de HALLOWEEN foi a maior inspiração, mas Bava certamente me inspirou também. Seus filmes são chocantes e visualmente fantásticos, o que eu queria que SEXTA-FEIRA 13 também fosse. (...) HALLOWEEN era uma coisa mais artística, mas eu queria que SEXTA-FEIRA 13 fosse muito, muito sangrento, e parecido com um filme de Bava". Porém é claro que SEXTA-FEIRA 13(e 99% dos slasher movies feitos posteriormente) não são nem dignos da inteligência e sofisticação de BANHO DE SANGUE.

Embora BANHO DE SANGUE e SEXTA-FEIRA 13 até tenham suas similaridades - principalmente na ambientação bucólica ao redor de um lago, no assassino misterioso e na extrema violência -, o filme de Bava é infinitamente mais surpreendente e inesperado. Enquanto na franquia SEXTA-FEIRA 13 você sabe que os personagens sempre serão mortos toda vez que Jason aparece em cena, na obra de Bava a morte vem de repente, sempre de surpresa, e não sabemos exatamente de que forma - até porque há mais de um assassino agindo, e em determinado ponto da trama TODOS os personagens começam a matar uns aos outros! Em comparação, é como se, no primeiro SEXTA-FEIRA 13, Ned e Annie fossem mortos pela Sra. Voorhees, que de repente seria morta por Alice, que por sua vez seria assassinada por Bill e Brenda, e ambos depois acabariam assassinados por Jack. Captou? Uma seqüência de reviravoltas e surpresas do início ao fim!

Além disso, em BANHO DE SANGUE não há um personagem com quem o espectador possa simpatizar, um"herói" - ou a heroína virgem, tímida e acanhada típica do cinema slasher. Todos, sem exceção, são malvados, cruéis e interesseiros, os personagens não conseguem se suportar por mais de cinco minutos sem que comecem a se matar. E todos eles estão ligados por misteriosas relações e motivações que o espectador só vai conhecer perto do final. O brilhante roteiro foi assinado a seis mãos por Bava, Filippo Ottoni e Giuseppe Zaccariello (creditado "Joseph McLee"), baseados num argumento de Franco Barberi e Dardano Sacchetti (um habitual colaborador de Lamberto Bava e Lucio Fulci, aqui também em um dos seus primeiros trabalhos). Apesar de ser considerado um "antepassado" dos slashers, BANHO DE SANGUE não tem o moralismo exacerbado dos filmes americanos posteriores, onde os jovens são mortos quando transam ou usam drogas; na obra de Bava, as pessoas morrem por cobiça, por estarem na hora errada no lugar errado ou, simplesmente, por serem burros demais para perceber a presença do assassino.

Ainda comparando com os slasher movies posteriores, BANHO DE SANGUE também reserva um papel de maior destaque para as mulheres. Se na maioria dos SEXTA-FEIRA 13 elas são ou bonecas infláveis que transam e morrem, ou virgenzinhas inocentes que sobrevivem no final apenas com muita sorte, no filme italiano as mulheres são fortes, determinadas e, não raras vezes, ardilosas e cruéis. Espere só para ver a forma como a ambiciosa Renata manipula diversos personagens, inclusive o próprio marido Alberto, numa reviravolta que alguns críticos comparam à peça "Lady Macbeth", de William Shakespeare!

E tem a violência explícita... Claro que isso não era exatamente uma novidade em 1971. Afinal, já tínhamos as obras de precursores do gore, como Hershel Gordon Lewis (e seu BANQUETE DE SANGUE, repleto de mutilações diversas, lançado em 1963), George A. Romero (com as cenas de canibalismo de A NOITE DOS MORTOS-VIVOS, de 1968), Sam Peckinpah (com o ultraviolento SOB O DOMÍNIO DO MEDO, que é do mesmo ano de BANHO DE SANGUE) e até o brasileiro José Mojica Marins. O próprio Dario Argento, "rival" italiano de Bava, estava utilizando cenas mais sangrentas. Mas BANHO DE SANGUE talvez seja um dos primeiros filmes a utilizar a violência explícita e exagerada de maneira tão gratuita que ela passa a ser quase cômica - uma "técnica"que seria aprimorada, posteriormente, na série SEXTA-FEIRA 13, onde o público tinha interesse apenas em ver como os jovens personagens seriam mortos, cada vez de forma mais exagerada, muitas vezes até torcendo pelo assassino, e não pelas vítimas.

Um crítico americano disse que o sangue, no filme de Bava, "jorra como champanhe numa festa de casamento". É aquele sangue vermelhão típíco das produções de antigamente, o que torna tudo mais marcante, exagerado e caricatural; Bava filma decapitações, gargantas cortadas e rostos mutilados com detalhes gráficos muito antes de isso virar uma das principais atrações do cinema de horror setentista - filmes como O MASSACRE DA SERRA ELÉTRICA e LAST HOUSE ON THE LEFT são posteriores. E os efeitos são de um especialista no gênero, o italiano Carlo Rambaldi, num de seus primeiros trabalhos. Rambaldi depois iria trabalhar em clássicos como ALIEN - O OITAVO PASSAGEIRO, PRELÚDIO PARA MATAR e a refilmagem de Dino de Laurentiis para KING KONG.

Foi principalmente devido à violência explícita que BANHO DE SANGUE foi cortado e recortado, lançado e relançado nas mais diferentes versões e com todo tipo de título bizarro. Na versão mais censurada (lançada na Inglaterra na época de forte censura no país), a cena do rapaz morto com o facão cravado no rosto foi quase toda suprimida, fazendo com que a forma como ele morre seja um verdadeiro mistério - esta versão tem 81 minutos, contra os 84 do original. Na Itália, também existe uma edição com 76 minutos (!!!), onde as cenas de violência permanecem intactas, enquanto boa parte dos diálogos foram limados - uma estratégia do distribuidor para deixá-lo mais ágil e fazer a publicidade em cima de sexo e sangue. Entre os títulos usados ao redor do mundo estão BAY OF BLOOD (o mais correto e interessante), TWITCH OF THE DEATH NERVE (o mais popular nos EUA), CARNAGE, BLOODBATH, BEFORE THE FACT - ECOLOGY OF A CRIME, CHAIN REACTION, BLOODBATH IN THE BAY OF DEATH e até, numa picaretagem suprema, LAST HOUSE ON THE LEFT 2 e THE NEW HOUSE ON THE LEFT, numa tentativa dos distribuidores ambiciosos de faturar em cima do famoso filme de Wes Craven - que foi lançado DEPOIS, em 1972!!!

Boa parte do elenco de BANHO DE SANGUE já passou para "o outro lado". Luigi Pistilli (Alberto) e Claudio Camaso (Simon) cometeram suicídio, respectivamente em 1996 e 1977. A francesa Claudine Auger (Renata) continua viva, mas abandonou o cinema; já Cristea Avram (Frank Ventura), Leopoldo Trieste (Paolo) e Laura Betti (Anna) morreram em anos diferentes, e do resto do elenco pouco se sabe atualmente porque não fizeram outros trabalhos além deste. A atriz Laura Betti faleceu há pouco tempo, em 2004, e antes da morte deu um depoimento sobre o filme para o livro "Mario Bava - Master of Horror", de Luigi Cozzi. "Eu lembro que havia uma cena em que eu e Luigi Pistilli tínhamos que correr em diferentes direções e então se encontrar em frente à câmera, quando aconteceria um diálogo que era vital para a história. A cena supostamente deveria acontecer na floresta... Então nós corremos, chegamos perto da câmera... e encontramos Bava sacudindo um galho de árvore em frente à câmera, e aquele galho supostamente deveria ser a floresta! Eu e Luigi começamos a rir sem parar, como idiotas, assistindo Mario com aquele galho. Tentamos repetir a cena, mas todas as vezes eu começava a rir. Bava até tentou fingir que estava nervoso, mas logo começou a rir também. No fim, tivemos que mudar toda a cena".

Se Bava não tivesse morrido em 1980, provavelmente iria morrer de tristeza logo depois, ao ver como sua obra seria emulada e diluída numa porção de slasher movies feitos nos EUA, sem a mesma inteligência e refinamento de BANHO DE SANGUE. Ele talvez até tivesse tempo de processar os produtores de SEXTA-FEIRA 13 PARTE 2(lançado em 1981), que contém duas cenas absurdamente plagiadas de BANHO DE SANGUE: a morte do casal empalado na cama (Steve Miner, diretor de SEXTA-FEIRA 13 PARTE 2, copia até mesmo os ângulos de câmera utilizados por Bava) e o faconaço no meio do rosto de um rapaz (que, no filme americano, é paralítico). Por mais incrível que possa parecer, a Sra. Voorhees (interpretada por Betsy Palmer no primeiro SEXTA-FEIRA 13) até usa um suéter bege IDÊNTICO àquele vestido por Simon em BANHO DE SANGUE!!! Entretanto, o que os slasher movies americanos poucas vezes conseguiram copiar foi o talento do mestre Bava, que, como um pintor, compõe mais uma obra-prima, uma tela para ser exibida num museu, e não num cineminha fuleiro.

Também diretor de fotografia (e com uma mãozinha do filho Lamberto Bava na direção da segunda unidade), Mario faz de BANHO DE SANGUE não só um filme criativo e violento, mas também bonito. Aqueles mais interessados em sexo e sangue provavelmente nem vão dar atenção para takes como aquele em que o diretor filma a baía ao entardecer, e o reflexo do sol na água deixa a lagoa com um tom avermelhado - como se fosse uma verdadeira baía de sangue! E embora use e abuse de um artifício que eu, pessoalmente, não gosto (o superclose até sair de foco para marcar a mudança de cena), Bava esbanja talento cinematográfico a cada cena de suspense, de perseguição (chegando a correr com a câmera na mão) e de assassinato, todas elas sublinhadas pela expressiva (embora deslocada em certos momentos) trilha sonora de Stelvio Cipriani.

BANHO DE SANGUE não deve ser visto, mas sim apreciado. Não uma vez, mas várias. É a maldade humana em estado bruto, com um bem-vindo toque de humor negro e um final tão surpreendente e criativo que muitos irão rir de nervosismo. Vale a pena procurar pelas velhas fitas VHS, embora elas estejam dubladas em inglês e com a imagem em widescreen cortada dos lados. O DVD americano está fora de catálogo, porém sempre é possível fazer o download pelo Emule. Só tenha cuidado na hora de baixar: "Reazione in Catena" também é o nome italiano daquele filme de ação de Andrew Davis, estrelado por Keanu Reeves - e isso eu descobri da pior maneira possível... hehehehehe.

Se você nunca ouviu falar de Mario Bava - ou ouviu, mas nunca viu nada dele -, BANHO DE SANGUE é uma excelente forma de começar a aprender mais sobre a obra do diretor. Para mim, pessoalmente, é a grande obra-prima do cineasta. O que não é pouca coisa, considerando que o velho Mario praticamente só fez filme bom na vida...

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Filme fácil - Mario Bava X Jason Voorhees 30mb

SALÒ, OU OS 120 DIAS DE SODOMA

2010-02-04T17:32:00.031-03:00

Salò, ou Os 120 dias de Sodoma - Imdb

Também conhecido como:

-Salò, or the 120 Days of Sodom (International: English title)
-Salo ou les 120 journées de Sodome (France)

Direção: Pier Paolo Pasolini

França, 1975

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Texto via Boca do Inferno por Matheus Ferraz

“Não há nada tão glorificante como o mal.” - O Duque

Quando se fala em filmes capazes de perturbar o espectador, não apenas durante a projeção, mas depois que as luzes se acendem, ficando grudada em sua mente, poucas obras possuem o status de “Salò, ou Os 120 dias de Sodoma” (Itália, 1975), canto do cisne de Pier Paolo Pasolini, e que constitui uma das obras mais brutais, viscerais e desconcertantes já mostradas em película. Não se trata apenas de fazer o espectador se contorcer na poltrona e tampar os olhos nos momentos mais fortes. A obra é um conjunto de ideias, imagens e símbolos capaz de mostrar o lado mais distorcido da humanidade e abalar a fé que qualquer um possa ter no ser humano.

“Salò” é baseado no livro “Os 120 dias de Sodoma, ou a Escola da Libertinagem”, do Marquês de

Sade, considerado a obra máxima deste autor que se tornou sinônimo de devassidão e violência sexual aberrante. Pasolini adaptou a trama, originalmente situada na França pós-revolução, para a Itália fascista, onde ele próprio viveu.

Assim, ao invés de apenas narrar os horrores causados pelos quatro libertinos conhecidos como “os amigos”, Pasolini deu um passo além, encaixando a narrativa num dos momentos mais críticos da história humana, o Holocausto.
Acompanhe agora este artigo sobre a obra de Pasolini e Sade, e entenda mais a fundo sobre esta verdadeira descida ao Inferno.

Sade na Bastilha

“Se fosse justo, não nos deixaria de pau duro.” - O Duque

Donatien Alphonse François de Sade, O Marquês de Sade (1740-1814), o mais conhecido e célebre autor libertino da literatura, foi preso várias vezes durante sua conturbada vida, por crimes de tortura, homossexualismo, sodomia e diversos outros. Foi numa destas prisões, num episódio tão interessante quanto suas obras, que ele veio a conceber “Os 120 dias...”.
Preso numa cela da Bastilha, a prisão mais temida da França, tendo em mãos um enorme rolo de papel e um lápis, que ele se pôs a escrever num período de 37 dias as mais de trezentas páginas de “Os 120 dias...”. Tendo a luz do sol à sua disposição apenas uma hora por dia, é um fato espantoso que tenha conseguido compor todo este colosso em tão pouco tempo e em tais condições.

O livro estava incompleto quando a Bastilha foi tomada na revolução, e Sade se viu obrigado a abandonar

seu adorado manuscrito, escondido nas frinchas de sua cela. Até o dia de sua morte, ele acreditou ter perdido para sempre aquele rolo, o que, segundo suas próprias palavras o fez “verter lágrimas de sangue”.

Entretanto, após sua morte o manuscrito foi encontrado, mas devido a seu conteúdo explosivo, não foi publicado até 1904, numa tiragem limitada. Apenas 50 anos depois, o livro foi disponibilizado para o grande público.

“A narrativa mais impura que o mundo já viu”

“Tudo é bom em excesso!” - O Bispo

120 dias, 600 paixões. Os quatro libertinos conhecido como “os amigos” resolvem combinar suas imensas fortunas para bancar a maior orgia já concebida pela mente humana. Para isso gastam quantias enormes para levar até o chateau Silling, castelo isolado de propriedade de um deles, um grupo de 8 garotos, 8 garotas, 4 narradoras, 4 putas velhas, 8 fodedores, 4 criadas, 6 cozinheiras e suas 4 filhas, casadas entre eles.

Nestes 120 dias, os quatro devassos iram cometer todo tipo de barbaridade contra estas crianças, enquanto ouvem as histórias das narradoras, prostitutas experientes que contarão todas as perversões que já testemunharam na vida.

Os libertinos são:
- O Duque de Blangis: “(...) falso, implacável, imperioso, bárbaro, egoísta, tão pródigo para seus prazeres

quanto avarento para o que havia de ser útil, mentiroso, guloso, beberrão, covarde, sodomita, incestuoso, assassino, incendiário, ladrão, sem que virtude alguma lhe compensasse os vícios.” Matou a mãe, a irmã e a esposa.
- O Presidente Curval: “Igualmente sórdido em toda a sua pessoa, o Presidente, que a isso acrescia gostos no mínimo tão porcos quanto sua pessoa, tornava-se um personagem cuja presença tão fedorenta podia não agradar a todos (...)”
- O Bispo: “A negrura de sua alma era a mesma de seu irmão, o Duque, assim como o pendor para o crime, o desprezo pela religião, o ateísmo, a velhacaria (...)”
- O Magistrado Durcet: “(...) implicante, falso, traiçoeiro e pérfido”

A orgia termina em carnificina, em meio a jantares de excrementos, estupros, mutilações e desmembramentos. O espírito dos libertinos, associado à natureza das narrações, termina por massacrar a todas as suas vítimas das formas mais impiedosas ao fim dos 120 dias.

O filme

“Não há perdão sem derramamento de sangue. Sem derramamento de sangue não há perdão.” - O Magistrado

Seguindo fielmente a narrativa do livro, o filme abre com os quatro libertinos organizando a orgia. Numa cena

icônica, eles assinam o documento e oficializam tudo. Depois de realizar o casamento de uns com a filha dos outros, eles selecionam o grupo de vítimas que serão levadas para a orgia.
Os libertinos começam a se revelar enquanto selecionam as vítimas. Uma garota, jogada completamente nua à sua frente, declara que sua mãe foi assassinada pelos soldados. Eles riem. Procuram garotos e garotas pela beleza, que deve ser perfeita. Feita a seleção, eles são levados ao castelo, onde terá início a devassidão.

NOTA: Pasolini filmou as cenas iniciais de seu filme na verdadeira cidade de Salò. O castelo de Silling foi substituído por um imponente na cidade de Marzabotto (mais abaixo), que existe ainda hoje, e é um hotel luxuoso.

Na entrada do castelo, são recepcionados pelo Duque, com um discurso ameaçador: “Suas criaturas fracas! Ralé, destinada ao nosso prazer. Não esperem aqui a liberdade garantida lá fora. Vocês aqui estão além de qualquer lei. Ninguém sabe que estão aqui. Pelo que importa ao mundo, já estão mortos.”
Inicia-se o primeiro ciclo do filme, chamado de Ciclo das Manias. Nele, se concentram as histórias da Senhora Vaccari, uma das narradoras, que contará as histórias relacionadas às estranhas manias que testemunhou em sua carreira de prostituta. Todos ouvem no salão, e qualquer um dos “amigos” pode retirar qualquer vítima, para se satisfazer nas alcovas.
No segundo ciclo, o Ciclo da Merda, a Senhora Maggi conta histórias relativas a sexo envolvendo fezes.

Isso estimula os libertinos a realizar o sonho do Presidente, e realizar um banquete de excrementos, onde toda a merda coletada das vítimas é preparada e servida no jantar.

No terceiro e último ciclo, a Senhora Castelli conta as histórias envolvendo morte e mutilação durante o sexo. É o último ciclo, ao final do qual as crianças que não tiverem se formado na “Escola da Libertinagem” serão torturadas e mortas, na cena que fecha o filme.

Há estupro, tortura, crueldade, abuso, depravação, assassinato, orgias, sodomia. Durante o café da manhã, o Presidente pede para ser enrabado na frente de todos. O Magistrado penetra o Duque. O Bispo faz sexo com um dos guardas. Há muito sexo, mas todo ele é vazio, realizando a chamada “morte do sexo”, onde os corpos não valem nada. Todo intercurso sexual é mostrado como forma de degradação.

Há, neste sentido, uma cena que resume perfeitamente o filme. O Bispo, depois de transar com o guarda, se levanta para inspecionar as vítimas. Um garoto, (Bruno Musso) denuncia uma colega (Graziella Aniceto) que guardava uma foto, o que era contra os regulamentos. Graziella denuncia duas amigas (Olga Andreis e Antiniska Nemour). Pode-se reparar, ao longo do filme, que Graziella estava apaixonada por Olga, e que a denunciou por ciúme. O Bispo vai até as duas acusadas e as

encontra fazendo sexo. Elas, para se livrarem, denunciam um guarda. Os quatro libertinos vão atrás dele e o encontram fazendo amor com uma das empregadas. Repare que esta é a única cena de sexo “normal” no filme (diga-se: entre um homem e uma mulher, num lugar privado). Os libertinos, enfurecidos, matam o casal e o guarda, antes de morrer, estende a mão com o punho fechado, o gesto do comunismo (vale dizer que o próprio Pasolini foi um comunista).
O fechamento do filme, visto do ponto de vista dos libertinos, mostra as vítimas sendo torturadas até a morte, o que inclui amputação, mutilação, escalpelamento e mais estupro. A cena final, assustadoramente irônica, fecha com chave de ouro esta obra prima.

Um pouco de história

“Nós, fascistas, somos os únicos verdadeiros anarquistas.” - O Duque

Segunda guerra mundial. Em julho de 1943, as tropas aliadas chegaram à Sicília, na Itália fascista. Cansados da subjugação do governo, o povo não colaborou no esforço de guerra, o que acabou com a deposição de Mussolini, substituído por Pietro Badolgio, que anunciou a rendição da Itália em 8 de setembro do mesmo mês. Hitler ordenou, então, que Mussolini criasse uma nova república fascista, ou teria de enfrentar também o exército alemão.
Em 23 de setembro de 1943, na cidade setentrional de Salò, às margens do lago de Garda, Mussolini se instalou, declarando aquela a nova República Social Italiana, que seria dissolvida em 29 de abril de 1945. Neste período o filme se situa, caracterizando fielmente as condições militares, como o fato de a maioria dos soldados serem adolescentes, assim como armamentos e roupas completamente fiéis à realidade.
A vila de Marzabotto, onde a orgia acontece, foi palco de um massacre de 1830 vítimas entre 29 de setembro e 5 de outubro de 1944, poucos meses antes da época em que o filme toma lugar.

Perguntas Freqüentes

“O que um bolchevique faz quando cai no Mar Vermelho?” - O Presidente

SPOILERS!

Qual o significado do suicídio da pianista?
A pianista representava a arte. Veja como ela salva as crianças com um teatrinho na cena em que são

ameaçadas pelos libertinos. Ela, na verdade, era inocente, e não participava ativamente da devassidão. Apenas observava tudo calada. Quando viu o que estava acontecendo lá fora, não suportou e se matou.

Por que os dois rapazes dançam no final?
Isso é uma forma de mostrar como o povo é alienado e complacente, especialmente naquela época exata (a ocupação nazi-fascista). Mesmo com os horrores que testemunharam, os dois rapazes preferem fingir que não está acontecendo nada.

Este filme não deveria ser considerado criminoso, por exibir crianças em situações de violência sexual?

Na verdade, nenhum dos atores interpretando vítimas era criança. Diferente do livro, onde eles tinham idades entre 7 e 12 anos, aqui se tratam de adolescentes, a maioria maior de idade.

O que a Senhora Vaccari e a pianista conversam na cena do casamento?
Trata-se de um diálogo do filme francês “Femmes Femmes”, em que as mesmas duas atrizes trabalharam juntas.

Qual o verdadeiro sentido do filme?
Trata-se de um filme político, que expõe sistematicamente a crueldade dos poderosos, a hipocrisia das instituições (os libertinos representam o governo, a nobreza, o clero e a lei) e a complacência das classes menores.

FIM DOS SPOILERS.

A Vida após Salò

“Então, coma merda!” - O Presidente

Muitos dos atores de Salò não eram profissionais, e a grande maioria não teve muita carreira depois. Conheça aqueles que tiveram histórias mais interessantes.

Paolo Bonacelli (O Duque): O mais bem sucedido após Salò. Este ator de voz e aparência intimidantes

veio a participar de filmes como “Calígula” e “Missão: Impossível III”. Seu outro grande destaque, entretanto, foi no papel de Rifik, em “O Expresso da Meia-Noite”, com destaque para a cena que tem sua língua arrancada a dentadas.

Aldo Valletti (O Presidente): O intérprete do asqueroso Presidente era, sem dúvida, o mais perturbador dos libertinos, com sua expressão bizarra e olhos vesgos. Veio a morrer em 1992. Sua outra participação memorável no cinema foi numa rápida ponta em Sallon Kitty, de Tinto Brass.

Giorgio Cataldi (O Bispo): Depois de sua interpretação visceral do frio e impetuoso Bispo, Cataldi teve um papel na comedia “Ragazza allá pari”, em 1976, e desapareceu do radar. Não se sabe nem se ainda vive.

Umberto Paolo Quintavalle (O Magistrado): Apesar da entrega total a que se submeteu no filme, Quintavalle nunca havia tido treinamento como ator. Era um escritor, escolhido por Pasolini por sua aparência física, “que é a de um intelectual decadente, exatamente o que eu preciso”, segundo o diretor. Era pai do técnico de efeitos especiais Sírio Quintavalle. Morreu em 1997.

Caterina Boratto (Senhora Castelli): A narradora do Ciclo do Sangue já tinha uma carreira bem sucedida, tendo de clássicos como “8 ½” e “Danger: Diabolik”, antes de Salò. Ainda vive.

Elsa de Giorgi (Senhora Maggi): A narradora do Ciclo da Merda foi mais conhecida por seu affair amoroso com o famoso autor Ítalo Calvino, décadas antes de protagonizar suas cenas coprofágicas. Morreu em 1997.

Hèlene Surgère (Senhora Vaccari): A narradora do Ciclo das Manias continuou sua carreira na França,

sem muito destaque. Participou da comédia romântica “À Francesa”. Curiosamente, foi dublada no filme por Laura Betti, que trabalhou com Pasolini em “Teorema”. Ainda vive.

Franco Merli (vítima): Como todos os atores jovens do filme, Franco Merli usou o próprio nome no personagem. Era um atendente de posto de gasolina que foi descoberto por Pasolini e convidado para participar de seu “As Mil e uma Noites”. Depois de Salò, teve poucos papéis e largou o cinema. É o rapaz vencedor do “concurso” no filme, e que tem a língua cortada no final. Ainda vive.

Umberto Chessari (vítima): Não atuou mais, mas se tornou operador de câmera da dupla Bruno Mattei e Cláudio Fragasso.

Renata Moar (vítima): Numa interessante ironia, Renata voltou ao cinema interpretando uma nazista, no excelente nazi-exploitation “Nazi Love Camp 27”. Em Salò, ela é a garota que perde a mãe e é forçada a comer o excremento do Duque.

Antiniska Nemour (vítima): Essa belíssima italiana voltou também em um nazi-exploitation, mas novamente como vítima. Em “Gestapo’s Last Orgy”, Antiniska é mais uma vez torturada e sacrificada pelos nazistas. Fez também o fraco giallo “The Sister of Ursula”, onde mais uma vez se deu mal. Não atuou mais. É uma das garotas pegas na cama pelo Bispo.

Inês Pellegrini (criada): Essa atriz negra já havia trabalhado com Pasolini em “As Mil e Uma Noites”. Era uma atriz muito popular na Itália nos anos 70. Vive agora em Los Angeles com o marido, trabalhando como voluntária ajudando os pobres e sem teto.

Pier Paolo Pasolini (diretor e roteirista): Nasceu em Bolonha, em 1922. Viveu parte da vida em Salò,

onde testemunhou os horrores do nazismo. Dirigiu clássicos como “Medeia”, “Mamma Roma”, “Teorema”, “Édipo Rei” e “O Evangelho segundo São Matheus”. É mais

conhecido por sua Trilogia da Vida, composta por “Decamerão”, “Os Contos de Canterbury” e “As Mil e Uma Noites”. Era marxista, homossexual e literato. Pretendia iniciar com Salò sua chamada Trilogia da Morte, mas foi assassinado logo após o lançamento de filme, esmagado pelo próprio carro, alguns acreditam que a mando da Igreja.

“Você deve ser estúpido para pensar que a morte viria tão rapidamente. Não sabe que nossa intenção é matá-lo milhares de vezes? Até o fim da eternidade, se a eternidade tiver fim.” - O Bispo

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A VINGANÇA DE JENNIFER

2010-02-02T00:32:00.013-03:00

A Vingança de Jennifer - imdb

Também conhecido como:
-I Hate Your Guts
-I Spit on Your Grave (USA)
-The Rape and Revenge of Jennifer Hill (USA)

Direção: Meir Zarchi
USA, 1978

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Texto por Felipe M.Guerra via Boca do Inferno

"Esta mulher apenas cortou, destruiu e queimou quatro homens, mas nenhum júri na América irá condená-la"

Até onde uma pessoa que sofreu violência física e psicológica tem o direito de fazer justiça com as próprias mãos? Será que a única resposta para a violência é mais violência? Mas respondendo a uma agressão com mais agressão, a vítima não estaria sendo tão "má" quanto seus algozes?

São questões interessantes, mas você NÃO vai saber a resposta delas assistindo ao filme A VINGANÇA DE JENNIFER ("I Spit in Your Grave"/"Day of the Woman"), uma produção de sexploitation (exploração abusiva de sexo e violência) realizada nos anos 70 e ainda forte e chocante. O roteiro não se preocupa em abordar estas questões, mas sim em mostrar, com o máximo de brutalidade e realismo, a vingança de uma garota violentada contra seus estupradores.Por esta introdução, pode parecer uma bomba completa e sensacionalista. Aí é que vem a surpresa: A VINGANÇA DE JENNIFER é um ótimo filme. Descontando certo abuso na violência (especialmente na agressão sexual contra a "heroína"), o filme é bem dirigido, bem interpretado, evita soluções fáceis ou inverossímeis e tem ritmo narrativo que não poupa o espectador.

A VINGANÇA DE JENNIFER originalmente se chamava "I Spit in Your Grave" ("Eu Cuspo na Sua Sepultura"), o que ressaltava o tom nu e cru da abordagem da "justiça acima da lei". Mas os produtores acharam muito forte e apelativo, mudando depois do lançamento nos cinemas para "Day of the Woman" ("O Dia da Mulher"). Alguns cartazes ainda usaram um título mais apelativo: "Rape and Revenge of Jennifer Hill" ("Estupro e Vingança de Jennifer Hill").

Trata-se de uma produção barata e independente (um filme assim não poderia ser feito por um grande estúdio) que deixa o espectador agoniado justamente por não tratar de um tema sobrenatural, mas sim de um horror tão comum que faz parte do nosso dia-a-dia, especialmente de quem vive em grandes cidades. É uma história onde os vilões não são monstros ou psicopatas, mas sim pessoas comuns que, de uma hora para a outra, tomam atitudes impensadas e agem com violência.
A melhor definição para o filme ainda é a frase no cartaz original: "Esta mulher apenas cortou, destruiu e queimou quatro homens, mas nenhum júri na América irá condená-la". A história é tão simples que chega a ser impressionante como mantém o espectador interessado durante 100 minutos: Jennifer (Camille Keaton, que nunca teve outro papel de destaque no cinema) é uma aspirante a escritora que vive numa metrópole (Nova York) e resolve passar o verão no campo, em busca de inspiração para seu primeiro romance. Ela aluga uma casa numa pequena comunidade de pescadores, onde busca apenas paz e sossego.

Como o lugar é pequeno e todo mundo se conhece, Jennifer logo chama a atenção de um grupo de encrenqueiros locais, liderados por Johnny (Eron Tabor), o proprietário de um posto de gasolina. Quando Jennifer conhece Matthew (Richard Pace), um retardado mental que trabalha como entregador do supermercado, a tragédia está armada. Matthew conta a Johnny que está apaixonado por Jennifer. Numa pescaria onde estão os dois mais Stanley (Anthony Nichols) e Andy (Gunther Kleemann), o assunto vem à tona e os quatro chegam à conclusão de que a garota da cidade grande está "abusando da sorte", andando sempre com roupas curtas ou biquini, e resolvem dar o troco.

Sem mais nem menos, o filme salta direto para o ataque selvagem dos quatro homens à garota, sem qualquer justificativa ou explicação, ou mesmo planejamento do crime. Eles estupram Jennifer sem piedade múltiplas vezes, espancam a moça e deixam-na para morrer. A violência sexual é tão forte que parece que o espectador assiste a um snuff movie; tanto que o filme foi cortado em quatro minutos nos Estados Unidos (a cópia lançada no Brasil está completa).

Encerrado o "trabalho", Johnny manda Matthew matar a garota para que ela não conte a ninguém sobre o ataque. Mas ele não tem coragem, então mente para os amigos que deu um fim na moça, deixando-a viver. Humilhada e severamente ferida, Jennifer fica duas semanas se recuperando e preparando sua vingança. Quando ela vai à igreja e pede perdão a Deus, já passou uma hora de filme. E os próximos 40 minutos serão tão violentos como os primeiros.

Jennifer começa a procurar os quatro agressores um a um, prometendo sexo, quando na verdade eles só terão uma morte cruel. Ela executa Matthew por primeiro, sufocando-o sem piedade - em uma cena grosseira e chocante. Depois os três restantes vão perecendo de forma ainda mais brutal. A cena mais aterradora do filme é aquela em que Jennifer seduz Johnny, levando-o para um banho quente na banheira, uma desculpa para castrá-lo e deixá-lo morrer por perda de sangue. Os gritos desesperados do homem castrado, que não consegue parar o sangramento, compõem uma das mortes mais fortes do cinema de horror.
A VINGANÇA DE JENNIFER segue violento até o final, sem nunca perdoar o espectador ou dar um descanso. Não tem humor nem piadas, e, reparem, nem ao menos trilha sonora. Nas cenas do estupro e dos assassinatos, a única coisa que escutamos são os gritos desesperados. E isso torna o filme horripilante como poucos.

Outro mérito da produção é não cair para o lado do "heroísmo individual", tão característico de filmes com o tema "justiça com as próprias mãos". Peguem "Desejo de Matar", com Charles Bronson, por exemplo. Depois que sua esposa é assassinada e sua filha estuprada, o herói decide responder aos agressores caçando e matando o grupo, um a um. Mas o espectador simpatiza com o herói. É algo na linha "bandido bom é bandido morto".

Mas não é o caso de A VINGANÇA DE JENNIFER. Em determinado momento, a vingança da mocinha atinge um nível tão brutal e tão cruel que o espectador chega a ficar com pena das vítimas, ou seja, aqueles mesmos homens selvagens que a violentaram momentos antes! Trata-se de um verdadeiro antagonismo: a mocinha responde aos "vilões" com a mesma crueldade e selvageria que eles usaram contra ela. Isso não a torna, também, uma vilã?
O roteiro do próprio diretor, Meir Zarchi, não quer julgar ninguém.

O filme não tenta nos convencer de que Jennifer está certa ao despachar brutalmente seus estupradores para o outro mundo. Tudo que o diretor faz é catalogar a matança e a violência. Dentro desta idéia, o filme fica acima da média.
Resumindo: uma história sem novidades (reparem que ela praticamente se divide entre mostrar a violência contra a moça e a vingança da moça violentada), sensacionalista ao extremo, mas muito bem contada e chocante o suficiente para garantir seu espaço entre os melhores filmes de sexploitation já feitos. Quem é do ramo, ou gosta de produções fortes, não pode perder esta preciosidade. Sádicos e masoquistas também vão curtir.

E para finalizar, uma curiosidade: Camille Keaton ficou tão marcada pelo papel de Jennifer que em 1993, em sua última aparição no cinema (aposentou-se logo depois), ela voltou ao papel de mulher estuprada em busca de vingança. O filme, chamado "Savage Vengeance" ("Vingança Selvagem"), foi lançado nos EUA com o enganoso título de "I Spit in Your Grave 2". Já pensou uma continuação onde a mesma moça fosse estuprada novamente e matasse seus algozes? Assim é forçado, né? hehehehehe
O sucesso de A VINGANÇA DE JENNIFER gerou outros filmes sensacionalistas com o mesmo fiapo de história (mulher estuprada que mata os estupradores), onde destaco VINGANÇA NUA ("Naked Vengeance"), feito em 1985 pelo cineasta filipino e picareta Cirio H. Santiago. A história é uma merda (e copia algumas mortes de A VINGANÇA DE JENNIFER), mas o filme é totalmente splatter, com muitos efeitos sangrentos e repulsivos. Confira, se tiver estômago.

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BEGOTTEN

2009-09-09T02:24:00.007-03:00

Begotten - imdb

Direção: E. Elias Merhige
Usa, 1990, pb.

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Uma profana epifania da Criação.
Texto por via Revista Carcasse

Begotten não é um filme de gênero. Não segue as convenções do drama que norteia a quase totalidade das produções cinematográficas. De certa forma, num primeiro momento, poderíamos considerá-lo como o registro dum rito profano enraizado no tripé primitivo da natividade, morte e renascimento…

As inúmeras tentativas de descrevê-lo elogiosamente renderam expressões como "um teste de Rorschach para o olho aventureiro", "um dos dez filmes mais importantes dos tempos modernos", "um sangrento filme metafísico"… já as demais poupam palavras em simplificações que, não raro, resumem-se a “lixo”. Seja abordado por entusiastas ou detratores, algo é certo: é impossível considerá-lo um trabalho vulgar. Trata-se dum filme singular, um radical experimento artístico, capaz de fascinar… ou irritar.

O resultado, esteticamente revolucionário, é fruto dos trabalhos do grupo performático Theatreofmaterial, fundado em 1985 pelo nova-iorquino Edmund Elias Merhige, então com cerca de 21 anos. Inspirado pela dança japonesa de vanguarda, pelo cinema experimental, pela cultura tribal e pela arte expressionista, o líder do grupo concebeu uma performance mítica só tardiamente transformada em projeto cinematográfico. Mas se, inicialmente, a idéia de transpor as barreiras entre as linguagens seria apenas uma maneira de perenizar o trabalho, a proposta evoluiu a ponto de englobar a interferência no próprio suporte, a película. Se no Butô japonês o dançarino "deforma" gestualmente seu corpo para expressar "sentimentos deformados", Merhige granula e sobrecontrasta suas imagens, relacionando a aparência vetusta da imagem à atemporalidade do tema.

Numa entrevista sobre seu primeiro longa-metragem, concedida em 1992 à revista Propaganda, voltada ao público gótico, Merhige comentou as implicações de seu título (traduzível como "Criado"): "abaixo das imagens descartáveis da vida cotidiana, banal, há apenas o tribal, o indelével e o atemporal. Estas imagens são criadas. A existência é cíclica. Nascimento cria a vida, vida cria morte, morte cria renascimento".

Pretensão verborrágica para alguns, visões geniais para outros, o discurso do roteirista, produtor, editor e diretor desta obra-prima encerra pontos-chave para sua assimilação e compreensão. Seu afã antropológico denuncia sua intimidade com a cultura acadêmica, e é justamente o passado de alienação em relação ao ofício cinematográfico como produção industrial – visto que temos nele um pintor-dramaturgo-poeta por detrás das câmeras – que lhe garante uma abordagem duma veia filosófica no mínimo incomum.

Somadas às suas diretrizes artísticas, destacam-se experiências cinematográficas prévias com as quais a produção dialoga. Entre suas mais óbvias e admitidas referências, é impossível não remetermos ao cinema alemão da década de 20, especialmente ao seminal O Gabinete do Dr. Caligari (1920), de Robert Wiene (1880-1938), cuja estética expressionista impregnou o surgimento do horror fílmico novecentista com uma inconfundível verve macabra. Outro relevante sustentáculo conceitual pode ser apontado em Les Yeux Sans Visage (1960), do diretor Georges Franju (1912-1987), que, nesta cultuada e sangrenta fábula francesa de horror, foi capaz de expor cenas de transplantes involuntários de rostos numa atmosfera feérica e poética.

Porém, apesar do peso de suas fontes européias, é em sua própria pátria que reside o principal precursor de seu trabalho… Stan Brakhage (1933-2003), uma lenda do cinema americano de vanguarda, seguiu os passos de seu conterrâneo Man Ray (Emmanuel Radnitzky, 1890-1976) e notabilizou-se – entre outros motivos – por interferir diretamente na película de obras como Mothlight (1963), em que colou asas e outros "destroços" de insetos nos rolos projetados. Mas é doutro exemplar de sua lavra que Merhige reconhece inegável influência: Act of Seeing with One’s Own Eyes (1971) – cujo título é uma tradução literal do termo "autópsia" – registra, sem som, três dissecações de cadáveres anônimos em enquadramentos nada decorosos quanto às tripas, mas pudicos em relação aos rostos, a ponto de certa volúpia cruenta do olhar cinematográfico esbarrar no comedimento respeitoso aos mortos, contradição que se repetirá em Begotten, no confronto entre o sagrado e o obsceno.

Por mais inútil que pareça descrever 78 minutos de imagens sombrias e perturbadoras, é possível resumi-lo em palavras, por mais bizarro que soe o relato. Pois bem, Um Cão Andaluz (1929) tem a navalha a cortar um globo ocular, Antropophagus (1980) tem o zumbi a devorar as próprias entranhas… e Begotten tem em seus 15 primeiros minutos uma seqüência antológica: numa casa arruinada, um homem mascarado – que lembra vagamente o "Leatherface" – empunha uma navalha enquanto vomita sangue. Em movimentos espasmódicos, passa a eviscerar-se enquanto órgãos vitais empapados numa massa negra escorrem por suas pernas e pés. De seu cadáver, emerge uma viçosa mulher mascarada, que se debruça sobre o corpo e passa a masturbá-lo delicadamente, até a ejaculação. Com o sêmen em suas mãos e ventre, ela espalha o líquido em sua pele e detém-se demoradamente na manipulação de sua vulva, fecundando-se. O que se segue, embora em ritmo mais arrastado, mantém o interesse. Como um "Caligari de lugar nenhum", a grávida perambula com um esquife negro como seu útero, donde não tirará nenhum sonâmbulo, mas que prenuncia a relação entre a gestação e a entrega dum rebento ao terreno da morte. O parto ocorre, e seu filho nasce convulsionando para nunca mais se aquietar. Os nomes das personagens? "Deus suicidando", "Mãe Terra" e "carne sobre ossos". Arrastando sua cria por uma espécie de cordão umbilical, a misteriosa mulher se depara com uma tribo embuçada em trapos – inspirada pelos coros da tragédia grega – que a estupra com um aríete. De seu corpo, flui um fluxo d’água a umedecer o solo, enquanto seu filho é esmagado, retalhado e plantado.

O descompromisso moral e comercial da obra é exemplar e fortalece seu caráter mítico de cosmogonia grotesca, calcada na interdependência entre vida e morte, criação e destruição. Seu tempo é o do eterno retorno, suas personagens, potestades da natureza, antropomorfizadas, a habitar uma paragem pré-histórica ou pós-apocalíptica, tanto faz, tal é o anacronismo que reúne ferramentas modernas, como a navalha, com toda uma estética de pintura rupestre.

O efeito visual é inacreditável. Merhige optou pela utilização de película reversível, própria para slides. Depois de revelá-la, refotografou-a quadro a quadro em 16mm preto-e-branco num maquinário que, criado exclusivamente para isso, expôs as imagens contra luzes fortes, obtendo um inédito efeito de granulação e velhice artificial, já que o diretor não queria que o filme parecesse "datar dos anos 20, nem mesmo do século XIX, mas, sim, como se fosse da época de Cristo, como se fosse um Manuscrito do Mar Morto cinemático enterrado nas areias". O processo levava de oito a dez horas para cada minuto finalizado, num admirável tour de force.

Ninguém da equipe foi remunerado pelo trabalho, mas ninguém desprezou os jantares e acomodações confortáveis providenciados pela mãe do pintor-cineasta. Os custos foram cobertos com uma reserva familiar de U$ 20,000 para um curso de medicina e, para minimizar as despesas, os cerca de cinco meses de filmagens só ocorriam durante fins-de-semana. Em vez de estúdios, optou-se pelas locações em sítios de construção cobertos de entulho nas cercanias de Nova Iorque.

Restrito a festivais, Begotten seria relegado à obscuridade não fosse o selo World Artists tê-lo editado em DVD em 2001. O produto inclui um caprichado encarte e, como extras, o trailer, fotos inéditas e notas de produção. Suas seqüelas foram notáveis. O cantor Marilyn Manson, estupefato pelo que viu, encomendou ao diretor o vídeo-clipe de "Antichrist Superstar", que arrebanhou prêmios em festivais de cinema. Rozz Williams, o falecido vocalista de bandas como Christian Death e Shadow Project, filmou o curta Porco (2001) com uma proposta relativamente parecida com a de Merhige, num contexto sadomasoquista e surreal. Mas nada se compara ao convite feito pelo ator Nicolas Cage, responsável pela Saturn Films, para que dirigisse um dos filmes de vampiro mais inteligentes das últimas décadas: A Sombra do Vampiro, uma homenagem ao clássico mudo Nosferatu – Uma Sinfonia do Horror (1922).

Nos últimos anos, E. Elias Merhige dirigiu peças teatrais, ministrou cursos de estética em instituições de ensino superior e envolveu-se com a produção de Suspect Zero, cuja produção acaba de ser finalizada. Trata-se dum suspense sobre um psicopata com preferência por matar assassinos seriais. Não que – pelas poucas informações já divulgadas – devamos esperar outra obra inesquecível, mas não custa mantermo-nos atentos ao trabalho do responsável por um dos mais doentios e inovadores filmes jamais realizados.

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ELES A CHAMAM DE CAOLHA

2009-06-15T00:14:00.004-03:00

Eles a chamam de Caolha - imdb

Também conhecido como:
-Hooker's Revenge (USA) (reissue title)

-They Call Her One Eye (USA) (censored version)

-Thriller (Sweden) (short title)

-Thriller: A Cruel Picture (USA)

Direção: Bo Arne Vibenius
Suécia, 1974.

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Texto por Juarez Junior via Pipoca de sal

O sueco Bo Arne Vibenius tem uma biografia singular na história do cinema. Primeiramente, foi colaborador do homem máximo do cinema sueco, Ingmar Berman. Depois desse período de louros, em 1974 se entregou a uma obra explotation que mudou sua vida para ao bem e para o mal. Câmeras inovadoras, cenas de sexo explícito, violência grosseira, uma trama absurda e figurinos pra lá de estilosos. Assim é Thriller – a Cruel Picture, o filme que Tarantino denomina o maior sobre vingança (que coisa é essa?!) já realizado. A produção virou a cabeça do público underground, mas dizem que Bergman não aprovou o trabalho do pupilo e por isso nunca mais trabalhou com Vibenius. Pouco importa se a lenda é verídica, mas que valeu a pena o sacrifício isso valeu. Thriller virou referência obrigatória; da protagonista de tapa-olho e sobretudo preto às cenas de violência em câmera lenta, tudo virou cult.

Alguns aproveitamentos viraram verdadeiros símbolos do cinema contemporâneo. O estilo de women with guns (WWG), tão em alta hoje em dia, começou com o filme sueco. Violência filmada em câmera lenta, que fez a fama de John Woo, foi inovação proposta por Vibenius. Tudo bem, Sam Peckimpah também fez isso, se bem que usou mais a proposta da mesma cena por vários ângulos. Como o negócio aqui é Verbinus, vale dizer que ele utilizou câmeras emprestadas da Nasa, usadas para filmar lançamentos de foguete, no retrato da vingança sangrenta da heroína. Isso sem falar em um figurino que os irmãos Wachowski (eca!) copiaram em detalhes a posteriori, e por aí vai.

O roteiro escrito pelo próprio diretor, conta a trajetória de Madeline (a linda ninfeta Christina Lindberg), uma garota muda que vive tranqüilamente com os pais em uma vila rural. Ao perder o ônibus para a cidade aceita a carona de um malandro. O vilão Tony (o excelente Heinz Hopf), com sua barba bem feita e lábia afiada, parece saído de um filme brasileiro da boca do lixo . A primeira frase do canalha é um assombro: “Você pode me dar uma única razão para não ir à cidade comigo?”. Ele vai acabar com a vida da garota. Primeiro vai viciá-la em drogas pesadas e, depois, obrigá-la a se prostituir. No primeiro programa, uma revolta com o cliente e o cafetão rasga seu olho. A cena é famosa e foi realizada com o uso de um cadáver. Quem assistiu ao Un Chien Andalou vai fazer a óbvia ligação. Madeline agora será conhecida pela alcunha de One Eye.

Sozinha e sem qualquer alternativa, ela se vê obrigada a cair na vida. Desgraça pouca é bobagem, então os pais se suicidam com o desespero pelo sumiço da filha. Os velhinhos receberam uma carta dizendo que ela tinha ido embora por não agüentar mais morar na fazenda com as restrições impostas por eles. Tony e sua turma são escrotos mesmo. Dessa forma, Madeline parece aceitar a condição (ganha uma grana pelo trabalho), mas é armação. Madeline faz aulas de caratê, tiro e perseguição automobilística arquitetando a vingança contra seus algozes. Há até um clipe ao estilo sueco mostrando a evolução nas habilidades. Bacana demais.

Destaques para cenas de sexo explícito nas quais foram usadas dublês de corpo para Lindberg. A edição deixa isso claro. Outra lenda, Vibenius pegou garotas de programa de Estocolmo para realização dessas seqüências. Mas calma pessoal, não há motivo para desespero. A nossa querida protagonista é muito sensual e não hesita em exibir o belo corpo a todo instante.

Com o fim brutal da amiga Sally (Solveig Andersson), único consolo de Madeline naquele mundo, chega a hora da vingança. A turma malvada é eliminada com brutalidade. Tudo registrado em câmera lenta. Uma perseguição de carros e a morte engenhosa de Tony no melhor estilo western spaghetti. Destaque - a bronca pra cima de dois policiais que tentam impedir a justiceira foi plagiada (a palavra é essa) em Matrix.

A trama é particularmente absurda e parte de uma premissa que parece patente desses filmecos de ação realizados hoje em dia. O ritmo é lento e, nos experimentalismos, a realização ficou aquém do esperado. Entretanto, a julgar pela infinidade de imitações, todas as inovações são idéias, no mínimo, criativas. Ao apresentar uma protagonista inesquecível (ela não diz uma palavra durante toda a projeção) e por não se render a qualquer convenção, Thriller virou símbolo do cinema explotation. Impossível precisar se Vibenius é louco, oportunista ou gênio. Entretanto é inegável que representa a personificação ideal da expressão “uma idéia na cabeça e uma câmera na mão”.

Ponto Alto: o professor de caratê dá uma bronca na aluna que insiste em interromper as aulas para dar um pico. São momentos como esse que me fazem AMAR o cinema setentista.

Ponto Baixo: cômica perseguição automobilística com direito a explosão por toque no pára-choque.

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AFTERMATH

2009-05-20T20:11:00.013-03:00

Aftermath -imdb

Direção: Nacho Cerdà

Espanha, 1994.

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Aftermarth 345mb

E para falar desse clássico do cinema extremo escolhemos um mestre no assunto: Marcelo Carrard nos textos, via Boca do inferno

O Cineasta Espanhol NACHO CERDÀ se notabilizou ao redor do mundo no meio da década de 90 ao trabalhar com a polêmica estética da necrofilia no Cinema. Em um diálogo com o Diretor alemão JORG BUTTGEREIT, criou uma espécie de Poesia Necrófila onde essa perturbadora perversão sexual atingiu limites nunca vistos antes na História do Cinema. Se Buttgereit ao criar sua dupla de longas NEKROMANTIK, explorava um mundo sombrio onde um casal tinha uma relação obsessiva com um cadáver, em AFTERMATH testemunhamos trinta minutos do cotidiano de um médico legista obcecado por sua profissão e que acaba encontrando na figura de Marta seu objeto de adoração, o problema é que Marta é um dos cadáveres que chega em sua sala de autópsias de um hospital.
Para entendermos um pouco melhor a proposta de Cerda em Aftermath, podemos observar seu curta-metragem de estréia: THE AWAKENING, 1990. Feito ainda na Universidade, Cerdà já trabalha sua obsessão pela morte contando a história de um jovem que está na sala de aula e de repente vê todos a sua volta imobilizados. Filmado em Preto e Branco o curta tem um clima que lembra a série clássica ALÉM DA IMAGINAÇÃO. O tema da imobilidade dos corpos e a questão da morte são trabalhados em AFTERMATH. Os corpos despidos e imóveis dos atores foram submetidos a longas sessões de maquiagem de efeitos-especiais muito realistas feitos pela empresa DDT. Com um rigoroso e inteligente trabalho de Montagem vemos detalhes das autópsias em meio a um silêncio absolutos que destaca o som dos objetos cirúrgicos manuseando a carne dos cadáveres. Um dos dois Médicos Legistas começa a expressar com o olhar um certo fascínio mórbido pelo trabalho de retirada de cérebros e vísceras, até o momento em que fica sozinho na sala e recebe o corpo de uma mulher para autopsiar.
Vestido com um traje de proteção com uma máscara tapando sua boca é pelo olhar que ele expressa sua obsessão por aquele corpo sem vida e o que vemos a partir desse instante é uma sequência brutal e estilizada de uma relação sexual necrófila em cima da própria mesa metálica numa mistura de sonoridades tensas feitas por Mark Cowling e temas sacros de Mozart. Essa estetização da morte fica clara na abertura desse curta-metragem de trinta minutos ao mostrar o corpo mutilado de um cão.

O uso excessivo de fades pode desagradar alguns, mas funciona na proposta estética de Cerdà em representar a morte com um constante jogo de brutalidade e beleza. Assim como seu primeiro curta, AFTERMATH não tem diálogos. Cerdà buscou uma linguagem universal através da imagem e da música, experiência que repetiria no curta seguinte: GENESIS, de 1998 onde vemos o mesmo protagonista de Aftermath, Pep Tosar, que interpreta o papel de um virtuoso escultor que não consegue aceitar a morte da jovem mulher em um acidente de carro. Sua obsessão estética por recriar a forma humana em blocos de pedra se confunde com o desejo inconsciente de trazer seu grande amor de volta ao mundo dos vivos e o que vemos durante os trinta minutos desse curta é um belo e perturbador delírio de um artista, um criador buscando seu próprio Gênesis. Destaque para a cena em que ele projeta um filme 8 mm sobre o corpo branco de uma estátua de mulher e as cenas de onde ele, em seu delírio, enxerga fios de sangue escorrendo por suas formas bem torneadas pelos instrumentos afiados de escultura em pedra. Sublime ao mesmo tempo perturbador.
Em 2007 estréia THE ABANDONED, seu primeiro longa-metragem, que teve como co-autor do roteiro o Cineasta canadense KARIM HUSSAIN, diretor do clássico extremo SUBCONSCIOUS CRUELTY.

Diz uma Lenda Urbana por aí, que Nacho Cerda teria sido o Diretor daquele filme sobre a falsa autópsia de um Extra-Terrestre que foi divulgado anos atrás. Verdade ou mentira o próprio cineasta nunca confirmou esse fato...

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Aftermarth 345mb

SINGAPORE SLING

2009-05-18T03:55:00.005-03:00

Singapore Sling -imdb

Direção: Nikos Nikolaidis
Grécia , 1990.

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Texto via A sequela do remake
Perturbador e brilhante, “Singapore Sling” é o filme que todos devem ver como forma de perceber os limites da perversão e esquizofrenia humanas, mas nunca depois de uma refeição, como eu fiz.
É uma experiência única para quem gosta de cinema, mas quer ver algo diferente, seja pelo bem ou pelo mal – e isso dependerá do julgamento de cada um. Nikos Nikolaidis foi o cineasta grego que deu à luz a história de um homem sem nome (mais tarde apelidado de Singapore Sling) que procura Laura, a sua mulher misteriosamente desaparecida sem rasto... Na sua busca vai parar a uma casa onde uma mãe e filha habitam um ambiente de loucura, depravação e morte, mas o problema é que ele não sabia disto quando lhes caiu quase inanimado à porta e apenas quando se vê obrigado a entrar nos jogos de tortura sexual das duas mulheres completamente piradas é que compreende verdadeiramente onde se encontra…
Não adianto muito mais no enredo porque por muito que tente descrever e explicar, nunca conseguirei explicar melhor que isto, a categoria cinema “náusea” existe.
Por um lado, é um filme bonito, se olharmos o modo como foi filmado, por outro, é um filme que puxa o sentimento de “como é que aqueles actores conseguíram fazer aquilo?”. Parece que o realizador pensava estar a preparar uma película de comédia, mas na minha humilde opinião saiu um filme de referência. Inovador, absurdo, demente, violento, fetichista e inocente, este é um filme para quem quer experimentar ou pense que já viu tudo (e podem fazer-se muitas coisas com um kiwi, fiquei a saber...).

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X-MEN - ORIGENS DA PUTARIA(sexo explícito com Wolverine, Tempestade e Vampira) - curta

2009-05-12T07:02:00.011-03:00

X-men - origens da putaria

Direção: desconhecido

País, ano.

BAIXAR/DOWNLOAD:

X-men-origens da putaria.FLV 20mb

X-men-origens da putaria.MP4 40mb

Link RedTube para o vídeo: http://www.redtube.com/9421

ASSISTIR AQUI:

A ILHA DA MORTE

2009-05-12T05:44:00.005-03:00

A Ilha da Morte - imdb

( Island of Death, Devils in Mykonos, Island of Perversion )

Direção: Nico Mastorakis

Grécia , 1975.

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Texto via Leandro Caraça

Entusiasmado pelo enorme sucesso de O Massacre da Serra Elétrica de Tobe Hooper, o grego Nico Mastorakis percebeu de imediato como poderia descolar uma graninha fácil. O lance era realizar um filme que chocasse apenas pelo simples prazer de chocar, uma obra que levasse o cinema exploitation aos seus últimos limites quebrando todos os tabus possíveis (homossexualismo, incesto, lesbianismo, zoofilia, urolagmia). A infalível idéia de Mastorakis teve porém resultados um pouco diferentes do planejado como veremos a seguir.

Filmado com a bagatela de trinta mil dólares e abençoado pelas belas paisagens gregas, A Ilha da Morte jamais alcança seu intento de chocar o espectador como gostaria Mastorakis. Consegue no máximo arrancar boas gargalhadas com cenas que deveriam provocar tensão como aquela em que o casal Christopher e Celia obrigam um pintor a tomar quase um balde inteiro de tinta e depois ainda pregam as mãos do infeliz no chão. Descobrimos que o que move esse impulso homicida dos inseparáveis maninhos é uma cruzada moral numa busca por aqueles que sejam inocentes e puros, como se eles próprios fossem exemplos de pessoas que batem bem da cabeça.

O maluquete Christopher (Robert Behling) pode muito bem fazer sexo com um filhotinho de cabra sem qualquer crise na sua consciência, todavia pobres dos adúlteros e homossexuais que tiverem o azar de cruzarem seu caminho. Por sua vez a gracinha Celia (Jane Ryall) de início se mostra tão xarope quanto o seu irmão mas aos poucos vai se cansando de toda aquela violência colocando dessa forma em perigo a harmonia entre os dois amorais.

Episódico em toda sua estrutura o filme vai acumulando mais e mais vítimas sem muito interesse para quem assiste além de se imaginar qual será a próxima sandice proporcionada pelo roteiro - outro momento impagável é quando Christopher transa com uma mulher mais velha dando a ela o tratamanto especial do "chuveiro dourado" (se é que você me entende) para logo depois encher a coitada de bofetadas. Uma trama paralela envolvendo um detetive negro na pista do casal não chega a ser totalmente desenvolvida e acaba por terminar na sequência mais amadora e risível do filme.

O pau-pra-toda-obra Nico Mastorakis não só dirigiu, roteirizou, produziu e colaborou na cinematografia de A Ilha da Morte, como ainda atuou (muito mal por sinal) no papel do escritor interessado nas mortes ocorridas na ilha e também compôs as horríveis canções ripongas que aparecem durante o filme. O cineasta teve a decência de nunca esconder que realizou sua obra apenas para ganhar dinheiro para alavancar sua carreira. A Ilha da Morte chegou a sair em video no Brasil pela extinta distribuidora Transvideo que também lançou no mercado nacional outros filmes bem interessantes de Mastorakis como A Próxima Dimensão, Visão Fatal, Zero Boys e O Sopro do Demônio. Nenhum deles entretanto se mostrou tão divertido, absurdo e sem noção quanto A Ilha da Morte e seu gratuito festival de violência.

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Abertura do filme

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BAISE MOI

2009-05-12T05:15:00.007-03:00

Baise Moi - imdb

Direção: Virginie Despentes e Coralie Irinh Ihi
França, 2000.

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texto por Marcelo Carrard via Zingu
O moderno cinema francês dentro do panorama europeu atual, é o mais diverso e com o maior número de filmes produzidos. Muitos jovens cineastas se destacam como Bruno Dumont, François Ozon, Cristophe Gans e Alexandre Aja, só para citar quatro nomes. Recentemente os fãs de cinema extremo, tiveram boas surpresas como o eficiente Haute Tension do já citado Alexandre Aja, com participação de técnicos de efeitos especiais de maquiagem que foram colaboradores de Lúcio Fulci, liderados pelo mestre Gianetto de Rossi. Em 2006, Aja estréia em uma produção norte-americana com Viagem Maldita, sangrento e arrasador remake de The Hills Have Eyes, 1977, de Wes Craven.

Dois clássicos se superam nesse recorte de alegorias extremas da violência, os polêmicos Irreversible, de Gaspar Noé e BAISE MOI perturbador filme escrito, produzido e dirigido por duas jovens mulheres: Coralie Irinh Ihi e Virginie Despentes, autora da novela que originou o filme. O que difere Base Moi de todos os seus contemporâneos, é a coragem das duas cineastas, que já mostram pelo título que não estão brincando. A tradução literal é “Me Estupre”, e justamente o tema do estupro e da vingança que já gerou pérolas como I Slip On Your Grave, é trabalhado de maneira original e ousada. Com cenas de sexo explícito, protagonizadas pelas duas atrizes principais, naturalmente integradas na história, sem a intenção gratuita do escândalo, o filme trabalha com a questão da violência extrema. Ao contrário de outros cineastas que já trabalham a sexualidade explícita aliadas a cenas gore como Joe D´Amato, as diretoras francesas seguem um caminho próprio, com uma visão feminina dessas duas estéticas. As cenas de sexo são sempre iluminadas por tons avermelhados e a trilha sonora eclética vai da sofisticada house francese até o metal pesadíssimo. Cada canção é inserida nas cenas de maneira criativa e eficiente.

Muitas são as seqüências perturbadoras: o estupro da dupla Manu e Nadine, mostrada de forma quase documental, utiliza-se de câmera na mão, câmera essa digital que cria várias texturas de imagem durante todo o filme. A cena em que as duas mulheres matam um homem, pisoteando-o após uma sessão de sexo oral e cocaína, só não é mais chocante que a cena do massacre no bar depois de uma orgia, onde um homem é obrigado a ficar de quatro, nu, imitando um porco para ser executado em seguida numa das cenas mais grotescas da história do cinema O discurso alucinado da dupla parece selar tudo com a frase: “Homens são porcos”.

O final, porém, surpreende o espectador pela sensibilidade e pela inevitável tragédia anunciada. Subversivas em sua jornada de sexo, sangue e crimes se expõe como nenhuma mulher se expõe, num mundo masculino e hostil, elas são forças destruidoras da natureza amorais e desenfreadas. Para os espectadores não iniciados no cinema extremo, Baise Noi pode ser um grande choque. Mais perturbador que Irrevesible, o mergulho anárquico de Coralie e Virginie, não deixa nem os mais frios dos fãs de cinema extremo indiferente. Você não será o mesmo depois desse filme, com certeza. Um excelente exemplo de jovem cinema europeu, que só perde ainda em quantidade e qualidade para o jovem cinema asiático.

Texto via Amoralva
É claramente difícil fazer uma crítica a um filme como Baise Moi, uma vez que este filme está naquela linha que divide a pornografia do "cinema sério". Num aspecto formal, o filme pode considerar-se pornográfico, com cenas de sexo explícito e violência brutal. Mas, por outro lado, a exploração dos temas encontra-se no oposto da pornografia. Nenhum filme pornográfico explicaria a violência daquela forma específica, utilizaria os mecanismos técnicos da maneira como este filme utiliza (a cena de violação é insuportável e realíssima). Nem a construção das personagens seria assim, tão crua e violenta. Uma das partes do filme que mais me satisfez foi a conjugação perfeita entre a música (punk) e as cenas de acção do filme, pois, na nossa opinião, a música explica muito bem porque é que o filme é assim, desta forma determinada.
Se quisermos ser claros, colocamos este filme lado a lado (a nível do sexo explícito) com Romance, de Catherine Breillat, e a nível da violência com Irreversível de Gaspar Nöe.
Quanto à história, é basicamente simples: duas mulheres, vítimas de abuso, desesperadas e raivosas encontram-se na entrada de um metropolitano qualquer, conhecem-se e iniciam uma viagem de vingança pelas ruas de Paris e da França. Uma espécie de Thelma e Louise mais sangrento. Espero sinceramente ver Raffaella Anderson em mais filmes: Baise Moi não será certamente o melhor, mas será uma porta de lançamento para outros filmes.
Deixo-vos aqui um review do filme: http://www.movie-gazette.com/cinereviews/142

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DISNEY PORNÔ: Putaria nos desenhos - curta

2009-04-21T05:14:00.013-03:00

Disney Porn

Direção: desconhecido
País, ano.

O link da DISNEYPORN.
http://www.disneypornland.com/

Abaixo alguns desenhos encontrados no site.

Link da xvideos(http://www.xvideos.com/) com o desenho da Disney:
http://www.xvideos.com/?k=disney

BAIXAR/DOWNLOAD:
Disney pornô 80mb

ANTROPOPHAGUS

2009-04-19T23:54:00.003-03:00

Antropophagus – The Beast - imdb

Direção: Joe D’Amato

Itália, 1980.

BAIXE Emule

Por Marcelo Carrard via Zingu

Esse artigo inicia uma série em homenagem ao célebre Mestre do Cinema Extremo: Joe D’Amato, cujo nome verdadeiro era Aristide Massaccesi. Ele usou uma quantidade absurda de pseudônimos em suas quase 200 produções oficiais, mas Joe D’Amato se tornou o nome mais célebre, quase uma grife de transgressão, sexualidade desenfreada, gore extremo e deslimites estéticos variados que o colocaram em um “Altar Maldito” onde até hoje é cultuado por cinéfilos e pervertidos em geral, das mais variadas partes do planeta. Ele navegou por vários gêneros e subgêneos: do Giallo ao Faroeste, do Filme de Guerra ao Horror Gótico, do Sexo Softcore ao Hardcore. Sua trajetória de um impressionante volume de produções culminou na produção Pornográfica, que já havia misturado ao Horror nos anos 70 e início dos 80 em clássicos como EROTIC NIGHTS OF THE LIVING DEAD e PORNO HOLOCAUST.

Na ZINGU #3 escrevi um artigo para essa Coluna com um de seus maiores clássicos: EMANUELLE IN AMERICA, protagonizado por sua Musa Eterna: LAURA GEMSER. Agora direciono meus holofotes para uma de suas produções mais Malditas e Extremas: ANTROPOPHAGUS – THE BEAST, que em uma versão cheia de cortes ficou conhecido como THE GRIM REAPER. Obviamente irei analisar a versão SEM CORTES, com imagem cristalina e falada em italiano, purismos de colecionador... Dois destaques do elenco chamam nossa atenção. Primeiramente o da atriz TISA FARROW, irmã de MIA FARROW que atuou em apenas dois filmes oficialmente: Antropophagus – The Beast e ZOMBIE aka ZOMBI 2, ZOMBIE FLESH EATERS do Maestro do Gore: LUCIO FULCI. O outro destaque está na figura do Psicopata Canibal NIKOS, o Antropophagus do título do filme interpretado pelo “ator-fetiche” de D’Amato: LUIGI MONTEFIORE aka GEORGE EASTMAN, que também é co-produtor e co-roteirista do filme. Sua produção mais conhecida do grande público é SATYRICON de FELLINI (onde interpreta a mítica figura do Minotauro).

Na abertura do filme, com os créditos iniciais vemos um jovem casal passeando pelas características ruas de pedra dos vilarejos de uma ilha grega, com uma música típica onde a produção parece querer insistir que o filme realmente foi filmado em locações na Grécia, o que se repetirá em outros momentos da parte inicial de Antropophagus. O jovem casal em si é de turistas alemães que acompanhados de seu cão chegam em uma praia deserta. O cenário e a atmosfera são característicos de 10 entre 10 filmes de Psicopatas, os Slasher Movies como são mais conhecidos. Sabemos que os dois não vão durar muito temo em cena e cria-se assim a expectativa do ataque sangrento que pode ocorrer a qualquer momento. Enquanto o homem prefere ficar deitado tomando sol e ouvindo música em seus enormes fones de ouvido, a mulher resolve nadar e ao se aproximar de um barco vazio vemos seu corpo sendo observado do fundo do mar, numa citação sem-vergonha de TUBARÃO de Steven Spielberg. Algo puxa a mulher para o debaixo d’água e em seguida o sangue toma conta da água cristalina. Em seguida a câmera emerge do mar como se fossem os olhos do assassino, o sangue respinga na areia. O homem abre os olhos e vê seu rosto refletido em uma enorme lâmina que em seguida parte sua cabeça ao meio. Começa então o filme propriamente dito, com essa antológica seqüência que mesmo de simples composição até hoje impressiona por sua atmosfera de suspense e horror. Essa composição da imagem de Gore Extremo com a lâmina partindo a cabeça da vítima ao meio me remeteu a uma semelhante cena do clássico filme de Mario Bava BAY OF BLOOD.

Em seguida o espectador e transportado para Athenas, onde vemos a protagonista feminina Jullie, interpretada por Tisa Farrow, acompanhada de seus amigos jovens que planejam uma viagem para uma das muitas ilhas gregas, claro que obviamente eles vão parar na tal ilha onde o casal de turistas alemães foi brutalmente assassinado, não é preciso ser um grande expert em técnicas de roteiro para sacar isso. Entre os amigos está um bonitão disputado por Jullie e sua amiga e uma jovem gestante. É interessante a chegada na ilha que parece uma cidade fantasma, o túmulo de pedra onde habita um monstro que está pronto para devora-los. Forçados a ficar na ilha todos estão em uma casa sombria, menos a tal gestante que desapareceu na chegada, após encontrar a cabeça do marinheiro em um balde. O encontro no porão com a menina cega é muito eficiente como truque de roteiro proporcionando um susto de causar taquicardia nos desavisados. A composição da menina cega, coberta de sangue e segurando uma faca, me remeteu a SUSPITIA de Dario Argento, na seqüência final da morta-viva entrando no quarto da Bruxa e na misteriosa menina de THE BEYOND de Lucio Fulci. Até esse momento não vimos o rosto do misterioso psicopata. Sua revelação surge de maneira muito interessante, surgindo das sombras onde é iluminado pelo clarão dos raios, pois como em todo filme de horror que se preze, uma tempestade de raios e trovões está caindo para criar aquele clima todo especial. Com sua máscara de agonia, deformidade e medo, o Canibal Nikos consegue criar uma série de expressões que vão da perversidade absoluta até a mais profunda amargura quando relembra o trauma que o transformou em um monstro devorador de homens. A ambientação desse embate entre humanos e “monstros” em uma Ilha Grega, carrega o filme de uma aura mitológica. Assim como o Minotauro que ele interpretou no filme de Fellini, Montefiore encarna um ser abominável que habita um labirinto de pedras onde repousam restos mortais de suas vítimas e que serve de palco para a encenação da sequência mais polêmica e extrema do filme: a ingestão do feto humano.

Com relação a polêmica seqüência do feto, na época do lançamento do filme D’Amato foi acusado de usar um feto humano real na cena. O Diretor mais uma vez teve que explicar que se tratava de um efeito especial de maquiagem, uma criação dos notórios técnicos italianos que fizeram e ainda fazem escola como GIANNETO DI ROSSI. D’Amato também foi acusado de usar um cadáver verdadeiro em BUIO OMEGA e de ter rodado um Snuff Movie real em EMAMUELLE IN AMERICA. Essa fama injusta criou em torno dele uma grande aura marginal, quase de um criminoso insensível e cruel, o que ocultava uma análise de suas grandes qualidades artísticas que poucos reconhecem até hoje. Além de Diretor D’Amato foi um grande fotógrafo, não só de seus filmes mas de outros colegas italianos em produções famosas como o Giallo CHE COSA AVETE FATO A SOLANGE? aka WHAT HAVE THEY DONE TO SOLANGE?.

O notório Diretor alemão ANDREAS SCHNAAS fez um remake de Antropophagus intitulado ANTROPOPHAGUS 2000, em homenagem ao seu ídolo máximo Joe D’Amato. Nessa homenagem Schnaas extrapola de maneira insana o que já era absurdo no filme original e ambienta a história em um vilarejo na Itália. Voltando ao original de D’Amato, algumas seqüências merecem atenção especial. Além da famigerada e inacreditável cena do feto sendo devorado, temos a seqüência em que Jullie e a menina cega estão escondias no sótão, fugindo de Nikos que tenta arrombar a porta no chão do sótão. No filme de Dan O’Bannon: A VOLTA DOS MORTOS-VIVOS temos uma citação dessa mesma seqüência. A absurda cena de “auto-canibalismo” onde Nikos devora os próprios intestinos é algo sem precedentes no Cinema até hoje, uma representação extrema da loucura infinita do personagem.
("cena de auto-canibalismo no trailer alemão abaixo)

Na próxima ZINGU o filme a ser analisado é justamente ANTROPOPHAGUS 2, aka ROSSO SANGUE, ABSURD, que consegue ser ainda mais insano e bizarro do que o primeiro sendo a seqüência mais absurda e sem lógica da História dos Slasher Movies. Em seguida devo aportar no Caribe para analisar a denominada “Fase Caribenha” de Joe D’Amato. Quem viver lerá.

IRREVERSÍVEL

2009-04-19T19:40:00.027-03:00

Irreversível - imdb

Direção: Gaspar Noé

França, 2002, cor.

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ASSISITIR:
Megavideo dublado
Como burlar o Megavideo para assisir mais de 74 minutos e não ter que esperar 54 minutos para assistir de novo.

Texto via cinedie

Depois de Alex (Bellucci) ser barbaramente agredida e violada, Marcus (Cassel) e Pierre (Dupontel) embarcam numa espiral de loucura e vingança, em busca do autor do crime, que os leva até um obscuro clube nocturno. Pierre, ex-companheiro de Alex, tenta controlar a fúria cega de Marcus, que vivia presentemente com a vítima.

Garpard Noé é um realizador que conquistou o rótulo de “extremo” e “polémico” bem antes deste «Irreversível», graças a «Carne», uma curta-metragem de 1991, e «Seul Contre Tous», a sua primeira longa-metragem, realizada em 1998, ambas apresentadas no Fantasporto de 1999. O “herói” desses filmes de Noé é (perdão pela irritante aliteração) Chevalier, um talhante que vende carne de cavalo (o nome é um “subtil” trocadilho), interpretado pelo actor Philippe Nahon, obcecado pela sua filha menor autista.

«Irreversível» é, muito brevemente, uma sequela dos filmes anteriores, porquanto no início (ou no fim, conforme o ponto de vista) mostra o Talhante a referir-se aos factos apresentados nos filmes anteriores, semi-nu, prostrado numa cama ao lado de outro indivíduo, enquanto tece comentários sobre o barulho no clube gay, sob o apartamento onde se encontram – cenário a partir do qual se põe de parte a personagem de Nahon e se acompanha Pierre e Marcus.

O Chevalier de Nahon é um peão das classes baixas e desfavorecidas e a “luta de classes” impregna de certa forma um dos momentos mais fortes do filme, quando o agressor de Alex debita alguns comentários em jeito de justificação – como se pudesse existir alguma justificação para tal acto – sobre a exploração das classes trabalhadoras (onde um lenocína de transsexuais se parece incluir) pelos “burgueses”, que se pavoneiam pelas ruas, com os seus carros de alga gama e roupas caras de designers famosos. Ainda que Noé tivesse tido alguma preocupação com questões sociais, será difícil de imaginar que tal fosse o seu intuito principal ao criar «Irreversível». É mais fácil encará-lo apenas como obra que provoca pelo desejo de provocar, de dar nas vistas, mas tal pode redundar numa visão preguiçosa de um filme ou de uma obra artística de outra natureza. Vicent Cassel afirmou sobre o “escândalo” e a publicidade daí decorrente, que não foram eles, os que trabalharam no filme, que o criaram, mas antes que tal foi construído em Cannes, pelas mesmas pessoas que depois surgiram a fingir-se chocados. Independentemente dos factos – é certo que o elemento choque não há-de chatear nada o realizador – tal afirmação dá sempre para pensar um pouco.

Ainda que víssemos «Irreversível» como um “simples” exercício formal e narrativo, independentemente da criação

das personagens, do trabalho dos actores e da história eficaz mas relativamente linear (apenas com pontos de partida e de fim invertidos), não poderíamos simplesmente pô-lo de parte e passar de imediato para algo mais limpinho e/ou convencional (“não estreou um filme do Woody Allen esta semana?”) Trata-se de um filme de visionamento essencial, ainda que encarado no contexto de um certo cinema “transgressor”, fora do circuito (de Hollywood, mas também do chamado “arte e ensaio” francês – dois pólos da exibição comercial em Portugal). É forçado, fabricado? O cinema de ficção é sempre uma construção – de contrário estaria mais próximo de ser um documentário – e os resultados finais dependem sempre de uma grande variedade de factores, principalmente de nos conseguimos abstrair da presença do realizador-manipulador e de nos deixarmos embrenhar no objecto ficcionado. (Ainda assim, há casos, como em von Trier ou em algumas doses de Spielberg, onde os efeitos dramáticos funcionam, ainda que não consigamos remover a imagem de permanente manipulação – mais fluída no primeiro, mais forçada e pesada no segundo.)

A estrutura narrativa invertida não é uma invenção de Noé, nem ficamos com a sensação de que o realizador estava apenas interessado na forma e que se lembrou a posteriori de uma história para a preencher. O método, em abstracto, pode lembrar «Memento» (2001) de Christopher Nolan ou um episódio da série “Seinfeld”, mas alguma pesquisa certamente revelaria diversos outros exemplos. Também Tarantino já havia experimentado com uma narrativa com segmentos desordenados como forma de obter um curioso e semi-subversivo efeito de final feliz/infeliz, conforme o ponto de vista, em «Pulp Fiction» (1994). Noé usa a estrutura narrativa para jogar com as expectativas do espectador e com o seu desejo de ver rapidamente a explicação para os actos que está a presenciar, gradualmente, segmento a segmento, e subverte a nossa resposta emocional ao apresentar primeiro uma vingança violenta, quase-absurda, por parte de personagens que ainda não conhecemos e apenas mais tarde nos apresenta o acto bárbaro que levará (levou) pessoas ditas normais a cometer tais actos. Como reagiriam os reduzem o filme ao desenvolvimento de um conceito de filme-choque se os acontecimentos fossem apresentados cronologicamente? Alguns talvez considerassem que se tratava de um filme que promovia a justiça pelas próprias mãos, o “vigilantismo” – se me é permitido usar tal termo –, ao nível de um filme de acção “fascista”, ao jeito de alguns com ícones como Bronson, Stallone ou Seagal. O certo é que o mecanismo narrativo protela a resposta emocional do espectador, até quase ao final do filme, e, desse modo, acaba por se afastar radicalmente da “manipulação” standard da ficção cinematografada e do estigma de “exploitation”, que alguns lhe podem querer colar, ao mesmo tempo que o remetem para a prateleira mais húmida e mal iluminada do clube de vídeo.

«Irreversível» não é certamente o primeiro filme “comercial” a apresentar violência realista e talvez seja prejudicado por não trazer uma história que, por exemplo, queira ilustrar que a guerra é uma coisa absurda ou algo assim mais politicamente correcto. Conforme elaborado no parágrafo precedente, os actos violentos surgem sem uma prévia “justificação” ou embalo emocional que ponha o espectador, todo contente, a pensar “ora, toma lá!”, perante a execução da vingança, como poderia, eventualmente ser o resultado – em pessoas mais “emotivas” – num filme dos “ícones” acima referidos. A opção por planos contínuos (alguns não integralmente, mas o efeito funciona sempre) reforça o impacto e a sensação de veracidade das personagens e da violência que as afecta, pois, ainda que inconscientemente, estamos habituados ao corte da cena “real” para uma de efeitos especiais, que, por muito que nos impressione, acaba sempre por não ser plenamente convincente. Aqui, alguns efeitos foram adicionados em pós-produção, de forma relativamente subtil (a fotografia suja e escura de alguns planos dá uma ajuda).

No final, o filme de Gaspard Noé revela-se um amargo ensaio sobre a impossibilidade de corrigir acontecimentos determinantes, estejam ou não na nossa dependência (“o Tempo tudo destrói”). A inversão narrativa permite uma maior reflexão sobre o tema; se a estrutura fosse cronológica, mais facilmente tomaríamos o material como uma simples, ainda que brutal, história de vingança e os temas que permeiam a história de Alex, Marcus e Pierre não seriam tão eficazmente desenvolvidos.

Cenas do making off abaixo(como foram feitas as cenas do estupro e do extintor, sem legendas em português)

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NEKROMANTIK 2

2009-04-18T22:35:00.012-03:00

Nekromantik 2: Return Of The Loving Dead - imdb

Direção: Jorg Buttgereit

Alemanha, 1987.

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Texto via Sessão Maldita
" Que a morte seja para ti, que não souber triunfar dos vivos, sua única ventura, e sua única inspiração..."
Palavras Cínicas 1905 ( Albino Forjaz de Sampaio )

A necrofilia, é uma tara muito antiga e esta diretamente relacionada ao primitivo da humanidade, desde a pré-história até o Egito , se arrastando até idade Média aos dias de hoje, como se vê não há nada de novo neste tema escabroso que esta diretamente associado ao instinto primitivo de uma luta inconsciente, terrível entre Eros e Thanatos.É muito comum entre os cães e isso já observei, de se esfregar em carcaça morta de outro animal em decomposição, o cheiro forte de putrefação excita o animal que reage de forma instintiva... o mecanismo olfativo de alguns mamíferos é muito aguçado em especial cães e lobos, já nos seres humanos isso é muito raro de acontecer sendo que existe uma reação instintiva de repulsão absoluta por tudo que esta morto, um desprezo extremo por tudo que diz respeito a morte!
No filme Nekromantik 2 ocorre o contrario, onde uma garota se excita de forma bastante bizarra, e intima com a morte, este é um filme que eu recomendo para todos que como ela tem uma facilidade e uma destreza insuperáveis em lidar tranqüilamente com o tema tão grotesco!
Nekromantik 2 é a continuação perfeita da primeira parte de um filme com o mesmo tema dirigido por Jorg Buttgereit , um clássico do cinema extremo a toda prova 0nde a transgressão moral e o elemento mórbido se fazem presentes!
O cadáver do protagonista do primeiro filme e desenterrado pela sua amante que é interpretada por Monika M., a principio até eu me apaixonei pela rainha nekromantika e cismei na felicidade do seu amante que por ela foi amado em vida e continua desejado mesmo depois de morto, será que existe alguém de sorte tão grande que tenha uma jovem tão linda loucamente apaixonada e que essa paixão se arraste apos a morte?

A cena inicial muito bem feita ao ritmo de uma trilha sonora inédita evoca as entranhas pútridas da asquerosa e nojenta morte, a imagem da desolação, do abandono, da indiferença, da ação do tempo na matéria é perfeitamente captada nesta cena espetacular, feita em um cemitério macabro!
Nekromantik 2 vai muito além da morte, mostra elementos bastantes agregados a ela, de forma simbólica eles completam cada imagem, como por exemplo a imagem de um corvo, lesmas e caracóis, lagartos, etc.
O cadáver melequento mostrado no filme é realmente nojento de uma imagem repugnante, é quando vemos a bela atriz beijando sua boca, aquilo realmente nos causa uma nauseá terrível.
Sua tara não se completa pois ela não consegue chegar ao clímax se esfregando no cadáver que falta ereção então num momento de demência, ela começa desmembrar o corpo dentro de uma banheira , serra suas mãos, a cabeça, e o pênis do infeliz! O novo namorado da musa nekromantika , mal sabe de suas mais profundas fantasias sexuais, e ele não passa de um simples dublador de filmes pornos. Este relacionamento fraco e monótono acabara em algo bastante nefasto para o infeliz, ingenuo moleirão.
A principio Nekromantik 2 era um filme proibido e rodado raramente em pequenos festivais de horror organizados na Alemanha e em outros países da Europa, mais eram eventos de cinema bem isolados, as copias em VHS se espalharam e começaram a causar espanto e admiração a todos os apreciadores do gênero horror trash.A estética do diretor Jorg Buttgereit, é bastante simbolista de uma revolta extrema, uma resposta a altura de tudo de ruim que a vida nos apresenta, o grotesco explicito trabalhado dentro de uma idéia, com uma narrativa rica em detalhes de fotografias perfeitas, este filme o único no gênero para a época tornou-se um ícone de referência, o diretor foi proibido durante um tempo de produzir filmes e sempre tratavam de temas fatalmente ligados ao universo da morte.
Mas não podemos esquecer que a necrofilia foi muito explorada na literatura byroniana e na arte do séc. XVII, basta lembrar autores como: Byron, Mary Shelley, Bran Stoker, entre outros. Ela foi levada ao cinema como muita ousadia coragem e naturalidade, mas este filme não é recomendado para os que tem estomago fraco, idéias demasiadamente ingenuas, e pessoas completamente adestradas moralmente pelo dogma da religião cristã, todos estes esquecem esta película maldita, posto que para eles nada poderá ser acrescentado ao se deparar com o espetáculo extremo de zombaria e escarnio com a morte crua.
Gosto deste filme e confesso que não me faz mal nenhum, mas isso não quer dizer que eu aprove ou desaprove esta obra, acho apenas que foi bem filmada dentro do gênero escolhido, onde um olhar mais penetrante foi bem captado pelo diretor.
Como não há nada de novo dentro do tema, o que vale é o olhar do artista e do espectador que sabe fazer sua boa interpretação e leitura, Nekromantik 2 é isso um terror com excessiva dose de morbideza e de intimidade sexual com a velhaca e fedorenta morte!

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SWEET MOVIE

2009-04-18T00:36:00.015-03:00

Sweet Movie - imdb

Direção: Dusan Makaveyev

Iugoslávia, 1974.

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Outras obras do diretor para baixar aqui.

Texto via cinecasulofilia .
A crítica é pequena, as palavras são vãs para tentar fazer jus a um filme como Sweet Movie, que se baseia no inexprimível, na poesia da paixão e da vida. Há bastante tempo um filme não me pegava de forma tão desprevenida, e é impossível resistir à paixão furiosa e desesperadora que Makaveyev emprega em cada plano do filme. Trágico, cômico, assustadoramente lírico, nada interessa a Makaveyev a não ser inpregnar o espectador de um espírito libertário, que não tarda a romper a tela, a escancarar as entranhas da realização. Cinema da vida, altamente revolucionário e contagiante, ao contar duas histórias com seus paralelismos e inúmeros pontos em comum (a história de duas moças: uma virgem buscando seu homem e uma marinheira que assassina seus homens), Makaveyev não hesita em deixar a narrativa de lado para tornar Sweet Movie um filme sensorial sobre o desejo, sobre a paixão pela vida, sobre a humanidade. Hilariante, ultra-bem-humorado e tecnicamente impecável, Sweet Movie nos faz lembrar em diversos instantes o nosso cinema marginal, mas para Makaveyev cinema não é avacalhação: seu projeto de cinema parte de uma construção íntima de um sentimento de viver incontrolável, delirante, fantástico, realista. Sedutor, hipnótico e tantos outros adjetivos redutores para tentar explicar o impacto desse filme de Makaveyev, experiência cinematográfica única que, mesmo caindo um pouco nos 20 minutos finais, faz justiça ao título de obra-prima, porque é um filme que desafia os limites do cinema e traz novas luzes para o fazer e para a expressão cinematográficos.

Texto Luiz Carlos Merten
"Sweet Movie" mostra os anos que mudaram tudo.
Há dois anos ele esteve em São Paulo para ser homenageado com uma retrospectiva de sua obra na Mostra Internacional de Cinema. Dusan Makavejev deu uma longa entrevista. Olhando aquele senhor calmo, educado, vestido com discrição, senão com elegância, ninguém poderia imaginar que foi um dos mais transgressores autores do começo dos anos 70. Não representa pouca coisa. Aquela época foi marcada pelo inconformismo e pela agitação política e cultural, ainda como conseqüência do célebre Maio de 68. Aquele Makavejev transgressor está de volta. Com 27 anos de atraso, estréia Sweet Movie, que ele dirigiu em 1973.

É uma co-produção entre a Iugoslávia (que ainda existia) a França e o Canadá. A origem e o capital podem ser importantes mas não são determinantes. É um filme de Makavejev. Dois anos antes, ele havia feito W.R. - Mistérios do Organismo, que teve problemas com a censura de diversos países. No Brasil, foi proibido durante anos pelo regime militar. As iniciais W.R. referem-se a William Reich, o psicanalista dissidente de Freud, que teorizou sobre a sexualidade, procurando ver no sexo um elemento de libertação. Nada mais de acordo com o espírito dos anos 60, que, após a pílula, pregava o amor livre. Reich virou guru. No Brasil, a censura implicou com uma cena de ereção. Usou-a como desculpa para proibir o filme quando, na verdade, o que incomodava era outra coisa.

Não deixa de ser curioso que Sweet Movie, tantos anos depois, estréie na cidade no mesmo dia em que está sendo lançado o novo filme de Ettore Scola, O Jantar. Scola não tem a mesma atração de Makavejev pela escatologia e pelo sexo, é até pudico, mas é um cineasta que celebra arte e política em seu cinema. Makavejev, também. Seu cinema se constrói em torno da arte, do sexo e da política. Seus filmes tratam da politização do sexo e da erotização da política. E ele não tem medo da mais grosseira escatologia, desde que ela seja eficiente para o que quer dizer.

Na falta de uma definição melhor, os críticos gostam de dizer que o trabalho de Makavejev, em sua grande fase, é meio surreal. Os filmes misturam documentário e ficção, pornografia, didatismo de esquerda, fatos e símbolos. Sweet Movie conta a história, ou melhor, mostra, porque a história de Makavejev nunca é linear, no sentido hollywoodiano, de um industrial do açúcar, o rei do cinto de castidade. Esse homem é um exibicionista que ostenta sua potência por meio de um pênis revestido de ouro. Contrata Miss Mundo, que toma um banho de chocolate. E há um barco cuja proa ostenta uma estátua com a representação da cabeça de Karl Marx. É uma embarcação que vaga meio sem rumo, pois Makavejev é uma displaced person, que não acreditava muito no comunismo nem no capitalismo, achando que nenhum desses sistemas possibilita a libertação do homem. O capitalismo aliena, estimula o conformismo e o consumismo, o comunismo, por ser totalitário, escraviza(va) as mentes.

É um filme ousado, gráfica e conceitualmente. É emblemático de uma época marcada pela contracultura, pela contestação. O que Makavejev fazia na Iugoslávia tinha a ver com Jean-Luc Godard, que radicalizava na França, com a estética política de Elio Petri e Francesco Rosi na Itália, com Jane Fonda que desembarcava em Paris, vinda de Hanói, portando um chapéu cônico de vietcongue (em plena Guerra do Vietnã!), com Gláuber Rocha, que se auto-exilara do Brasil para ser cidadão do Terceiro Mundo. Era um mundo em transe, um cinema que, no caso de Makavejev, possuía uma dimensão delirante.

Afrodisíaco - A propósito, vale transcrever o texto do próprio diretor que a Mais Filmes, distribuidora de Sweet Movie, enviou à imprensa. "Esse é um filme doce, uma comédia ligeiramente temperada de antipsiquiatria, um vibrante ensaio sobre a sexualidade humana, cujo slogan poderia ser 'Me prove, sou uma delícia'. Como dizia Raoul Vanegheim, quem fala de revolução, sem realizá-la no cotidiano, fala com um cadáver entre os dentes. E Makavejev acrescenta que Sweet Movie preenche funções terapêuticas e fundamentais - é um afrodisíaco ligeiro e relativamente persistente, que ao mesmo tempo reconstitui o organismo. Recomenda, fortemente, que seja visto por casais, pois é o filme da respiração profunda, das maçãs rosadas, dos olhos e dos sorrisos brilhantes. "Aumenta o apetite dos beijos, suscita a salivação, incrementa a taxa de percepção auditiva e táctil, renasce, enfim, em todo espectador, o animal pleno de alegria e prazer, chegando mesmo a regenerar alguns espectadores pela maravilhosa fonte de juventude da lenda."

Makavejev nasceu em Belgrado, em 1933. Estudou psicologia antes de optar pelo cinema, o que se percebe no seu trabalho, que começou com curtas experimentais, antes que ele estreasse no longa, em 1964, com um filme sugestivamente chamado O Homem não É um Pássaro. Embora produzido com capitais internacionais, Sweet Movie é falado em iugoslavo, a língua dominante no país, na época de Tito, antes que a Iugoslávia se esfacelasse nas disputas raciais e regionais que levaram à sangrenta Guerra da Bósnia.

O elenco é formado por Carole Laure, Pierre Clementi e Sami Frey, por membros da Therapie-Komune de Viena e por uma atriz americana, negra e linda, que 14 anos antes havia feito, no Brasil, no papel de Eurídice, um filme premiado e polêmico - Orfeu do Carnaval, também chamado de "Orfeu Negro", de Marcel Camus, vencedor da Palma de Ouro em Cannes, em 1959.

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Dusan Makaveyev

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SHORTBUS

2009-04-17T19:10:00.007-03:00

Shortbus - imdb

Também conhecido como:

-The Sex Film Project (USA)

Direção: John Cameron Mitchell
Usa, 2006.

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Texto de Eduardo Simões
Quem ficar incomodado com a seqüência inicial de "Shortbus", por conta da nudez frontal e do inocente xixi na banheira do personagem James (Paul Dawson), não pode nem imaginar a maratona de sexo explícito que o diretor e roteirista John Cameron Mitchell reserva para boa parte dos cem minutos seguintes. Um colorido mosaico de relações homo e heterossexuais, orgias etc. Mas, calma lá, não se trata de um filme pornográfico. As cenas de sexo surgem tão bem amarradas à narrativa quanto as canções e dança de um musical como "Oklahoma!", como descreveu a crítica do jornal "New York Times".

"O sexo aparece integrado às vidas dos personagens", disse Mitchell à Folha, durante a apresentação de seu filme no Festival de Toronto.

"Queria usá-lo como a música em "Hedwig - Rock, Amor e Traição" [seu primeiro filme], uma metáfora para revelar os personagens sem usar palavras. Por isso não se pode comparar "Shortbus" a um filme pornográfico. Poucas pessoas se excitam sexualmente ao vê-lo, e, quando isso acontece, é algo periférico. A idéia não é chocar ou excitar. Quando ele termina, a última coisa em que se pensa é no sexo. Como no fim de uma relação boa. Diferente do que se sente após ficar apenas uma noite com alguém."

Hino na cama
O "projeto para um filme de sexo" de Mitchell começou ainda nos anos 90, quando diretores como a francesa Catherine Breillat, de "Romance", romperam a censura sutil do fantasma da Aids e voltaram a explorar o erotismo em seus filmes. Mas Mitchell queria não somente ousar na representação, para fazer contraponto ao sexo sem suor de Hollywood. Para ele, sobrava negatividade no sexo cinematográfico, associado à frustração ou violência, e faltava humor. E um viés político.

Numa seqüência de "Shortbus", por exemplo, três rapazes entoam o hino nacional americano durante um ménage à trois. "Ser americano é um monte de coisas, ser patriótico também. Sou patriótico, não da mesma forma que Bush é, mas sou", disse Mitchell.

"Shortbus" --nome daqueles ônibus escolares amarelos e também de uma festa mensal que Mitchell comandava em Nova York-- acompanha os conflitos amoroso-sexuais de sete personagens: uma terapeuta sexual que nunca teve um orgasmo (Sook-Yin Lee, apresentadora de TV canadense) e seu marido (Raphael Barker), uma dominatrix solitária (Lindsay Beamish), um voyeur (Peter Stickles), um casal gay (Dawson e PJ DeBoy, namorados na vida real) que não consegue transar, e Ceth (Jay Brannan), jovem que parece ser o vértice ideal para um eventual triângulo deste casal.

Para arregimentar seu corajoso elenco --"cult" na atual temporada nova-iorquina de estréias, com o casal DeBoy e Dawson sendo fotografado por Bruce Weber para a "Interview"-- Mitchell evitou agentes e estrelas, "porque eles não fazem sexo à frente das câmeras nem poderiam ficar disponíveis tanto tempo". O diretor colocou anúncios numa página na internet pedindo testes em vídeo etc., teve meio milhão de acessos e recebeu 500 fitas.

"Chegamos inicialmente a um grupo de 40 pessoas interessantes, inteligentes, distintas e sexy. Pensamos na compatibilidade sexual e fechamos em nove pessoas antes mesmo de termos uma trama. Eu sabia apenas que o filme se passaria em Nova York, que envolveria sexo com casais distintos. Fizemos oficinas um pouco como Mike Leigh, e a partir das improvisações eu fiz o roteiro. Ensaiamos, e eu reescrevi o roteiro por mais de dois anos antes de filmar", contou Mitchell.

Os atores escolheram seus nomes e ajudaram a determinar seus conflitos que, se já não são assombrados pela Aids, não deixam de conviver com outro fantasma: o 11 de Setembro. O atentado está presente no longa, seja insinuado na "forma" dos piques de luz e eventual blecaute que acontecem no filme. Ou na tristeza, vazio e solidão que levam seus personagens a freqüentar o Shortbus, misto de clube de sexo e cabaré, que "lembra os anos 60, só que com menos esperança", como observa Justin Bond, famosa drag queen nova-iorquina que faz ponta no filme.

Resistência

"Lembro que os ataques aconteceram um mês antes da estréia comercial de "Hedwig". É uma sombra que continua sobre a cidade, que uniu a cidade.

O sentimento que aparece no filme é o mesmo que a cidade experimentou na época. Um certo otimismo que veio dos próprios atores", disse Mitchell, que, em entrevista ao "New York Times", chamou seu filme de "pequeno ato de resistência contra Bush e a América em que vivemos".

"A cidade está mudando, mas ainda é Nova York. É ainda a cidade de artistas, de todas as pessoas que criaram uma certa sinergia criativa representada no filme pelo clube, que é sexual, mas também artístico."

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NEKROMANTIK

2009-04-17T09:36:00.003-03:00

Nekromantik - imdb

Direção: Jorg Buttgereit

Alemanha, 1987.

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Texto Marcelo Carrard via Zingu
É impossível fazer um levantamento de uma filmografia básica dedicada ao Cinema Extremo sem falar sobre uma produção alemã de 1987, dirigida por um jovem e radical artista. O filme: NEKROMANTIK. O Diretor: JORG BUTTGEREIT. Com sua trama central sobre um casal de necrófilos, o filme já se inicia de maneira brutal. Um casal está em um carro, ocorre um acidente fatal. Vemos após os créditos um grupo de funcionários responsável pelo resgate dos corpos mutilados. Essa seqüência já antecipa o que estará por vir. Bobert, interpretado por Daktari Lorenz, é funcionário dessa equipe de resgate de corpos, profissão perfeita para um necrófilo. Sua esposa Betty, interpretada por Beatrice Manwrski vive com o marido uma rotina de contato com órgãos humanos em uma aparente harmonia. Robert está em uma busca interior por algo que ultrapasse seus limites. Na seqüência da alucinação, a câmera foca seu olho e vemos cenas de autópsia seguida de imagens de um coelho tendo o pêlo retirado. Essas imagens brutais surgem como uma espécie de antecipação da chegada de Robert em casa com um cadáver em adiantado estado de decomposição, instaurando assim um macabro e doentio triângulo amoroso. A criação desse corpo morto ficou a cargo do próprio Daktari, que também colaborou com a trilha-sonora do filme. A seqüência onde Robert, Betty e o morto estão na cama é uma mistura delirante de imagens grotescas e quase surreais, um desafio para o espectador. Os desdobramentos dessa paixão macabra são absurdos.

O ritualístico sacrifício do gato do casal e um ritual de auto-mutilação que constrói alguns dos momentos mais extremos de todos os tempos na história do audiovisual, tornaram esse filme um clássico do Cinema Extremo. Essa seqüência da auto-mutilação mistura as imagens do homem dando golpes de punhal em si mesmo enquanto ejacula, num gozo supremo onde o esperma se transfigura em sangue revelando ao espectador toda a densidade da loucura abissal da personagem.

Com esse filme Jorg Buttgereit conseguiu ser banido e até processado em vários paises. O filme ficou em um limbo underground por muitos anos até ressurgir no final dos anos 90 com seu lançamento em DVD. A angústia de Robert é muito bem expressada pelo ótimo e corajoso ator que se expõe como poucos nesse filme difícil até para iniciados em Cinema Extremo. Juntamente com Nacho Cerda, Jorg Buttgereit é o representante maior da necrofilia no Cinema. A criação de um estilo poético em retratar esse tema chocante e perturbador também pode ser observada em filmes como SCHRAMM. Suas influências são variadas. Do Drama Barroco Alemão, passando pelo Cinema de Fassbinder, os artistas radicais de Viena na década de 60, a cultura underground de Berlim e muito mais.

Em NEKROMANTIK 2, feito alguns anos depois, já com a queda do Muro de Berlim, é a figura feminina
que surge em uma tentativa de viver um relacionamento amoroso e sexual com um homem vivo, mas seus desejos necrófilos irão se sobrepor ao convencional e ela cria uma forma brutal de mesclar os dois homens que deseja, um vivo e um morto. Chocante, doentio, grotesco, imoral... Vários adjetivos foram usados para definir NEKROMANTIK, mas sua força radical e sua profunda e perturbadora viagem aos abismos da mente humana, não pode ser classificado com poucas palavras.

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